아트센터 화이트블럭(대표 이수문)에서 4월 12일부터 범진용 작가의 개인전 ≪걷는 식물≫을 개최한다. 화이트블럭은 2009년부터 파주 헤이리 예술마을에서 ‘스튜디오 화이트블럭’이라는 이름으로 국내 시각예술가에게 작업실을 지원해 왔다. 그렇게 약 9년간 16명의 작가에게 공간을 제공한 후 2018년부터는 새로이 ‘화이트블럭 천안창작촌’라는 명칭으로 천안 광덕면에 이전 개관하였다. 천안창작촌은 16개의 작업실을 갖추고 2년 동안 작업할 수 있는 장소를 제공하면서 현재까지 63 명의 작가를 후원하고 있다. 아트센터 화이트블럭의 작가 지원은 여기서 끝나지 않고 입주작가의 후속 활동으로까지 이어진다. 미술관에서 2019년부터 시행한 입주작가 개인전 지원은 가장 적극적으로 작가의 활동을 지원하는 프로그램이다. 한지석(2019), 김건일(2020), 제이미 리(2021), 임승천(2023)에 이어 올해는 6기 입주작가로 활동했던 범진용을 초대하여 전시를 개최한다. 범진용(b.1977)은 세상을 면밀하게 관찰하여 그리는 작가이다. 버려진 풍경과 이름 모를 잡초의 생명력을 담아내던 그는 최근 주변인이 등장하는 기억에 초점을 맞춰 세계를 확장하고 있다. 작품에서는 쉽게 휘발되거나 얽히는 기억의 속성을 반영하듯 다소 가벼운 표면과 추상적인 형상으로의 변화를 보여준다. 전시명 ≪걷는 식물≫은 삶의 흐름에 따라 이주하는 작가 자신이 마치 걸어 다니는 식물과도 같다 하여 붙인 제목이다. 이번 전시에서 공개되는 그림들은 이주의 과정에서 마주했던 다양한 풍경과 사람에 대한 기억을 담고 있다. 전시는 ‘인물’ 시리즈와 ‘풍경’ 시리즈로 구성되어 대형 신작을 포함한 회화 40여 점을 한자리에서 만나볼 수 있다. 범진용의 ‘인물’ 시리즈는 소중한 이에 대한 부재와 애도의 기억을 바탕으로 시작되었으며 주로 주변인들을 대상으로 삼는다. 작가의 심경은 시리즈의 초기작이기도 한 <까마귀 꽃밭>(2020)의 짙고 어두운 색채와 거친 붓질에도 투영된다. 이어지는 그림에서는 홀로 선 인물들이 모호한 얼굴을 한 채 걷고, 춤추며 다시는 돌아오지 않을 시간에 대한 그리움을 내비치고 있다. 최근 작품에서는 실험적인 시도를 함께 엿볼 수 있다. 6명의 인물이 식사하는 장면을 담은 <인물>(2023)은 각기 다른 날과 장소에서의 기억을 결합하여 그린 것으로 지인들과 함께한 시간과 공간을 다층적으로 교차하고자 한 것이다. 대형 캔버스 천에 그린 <취한 밤>(2023) 역시 어느 밤의 기억 위에 무의식적으로 떠오르는 이미지들을 쌓아 올린 결과물이라고 할 수 있다. 이러한 작업 과정은 초현실주의자들이 자주 사용했던 무의식적인 표현 기법인 자동기술법(automatisme)에 가까운 느낌을 준다. 아마 작업 중 의도적으로 주변인에게 사진을 받는 과정을 통해 자신의 것이 아닌 기억을 혼합하고 되새기던 것이 영향을 준 것으로 보인다. 그리고 기억과 기억을 혼합하려는 시도는 ‘풍경’ 시리즈에도 다시 고스란히 반영되어 이전보다 훨씬 환상적인 화면이 완성될 수 있게 해주었다. 우리는 모두 과거의 기억을 품고 이따금 그 특별한 순간으로 돌아갈 수 있기를 소망한다. 이번에 공개되는 그림들 속에는 작가가 그날 그 순간의 기억에 대해 지난 4년간 고민해 온 흔적이 담겨있다. 얽히고설킨 기억을 한 화면에 담아내는 범진용의 그림 속에서 각자의 경로를 발견할 수 있기를 기대한다. 경기도와 파주시가 지원하는 ‘2024년 박물관 · 미술관 지원사업’에 선정된 이번 전시는 휴관일 없이 7월 14일까지 이어진다. 오프닝 행사는 4월 19일(금) 오후 4시에 열리며, 전시 기간에도 어린이부터 성인까지 전연령을 대상으로 한 다채로운 연계 프로그램이 진행될 예정이다. 자세한 사항은 화이트블럭 공식 홈페이지(www.whiteblock.org)에서 확인할 수 있다. 작품보러가기

경기문화재단 경기도미술관(관장 전승보)은 4월 12일부터 7월 14일까지 세월호참사 10주기 추념전 《우리가, 바다》를 개최한다. 전시는 세월호참사 10주기를 맞아 희생자를 추모하고 기억하는 동시에 예술을 통해 재난에 대한 사회적 상생의 방향을 모색하기 위해 마련되었다. 안산에 위치한 경기도미술관은 참사 당시 합동분향소가 있던 화랑유원지에 위치해 있으며 단원고등학교를 마주하고 있다. 미술관은 안산의 지역공동체로서 예술을 통해 공동체의 의미를 질문하고 시민들과 함께 10주기를 추념하며 재난의 상흔에 공감과 위로를 건네고자 한다. 《우리가, 바다》는 세월호참사 이후 슬픔과 고통을 내포한 ‘바다’가 그 이전과 같은 바다가 될 수는 없지만, 생명과 순환을 상징하는 ‘바다’의 의미를 소환하여 사회적 재난을 비춰보고자 했다. 전시의 제목인 “우리가, 바다”는 3가지 ‘바다’로 구성되어 있다. 첫째는 재난을 있는 그대로 받아들이고 기억해야 함을 의미하는 ‘바로 보는 바다’이다. 둘째는 재난을 겪는 사회에서 주변을 바라보면서 전해야 할 위로를 담은 ‘바라보는 바다’이다. 셋째는 재난에 대해 모두가 고민하고 함께 이루어야 할 바람을 담은 ‘바라는 바다’이다. 3가지 뜻의 ‘바다’는 다음과 같다. “우리가, 바(로보)다”, “우리가, 바(라보)다”, “우리가, 바(라)다” 전시에는 회화‧조각‧영상‧설치‧사운드‧사진‧퍼포먼스 등 현대미술의 다양한 매체를 아우르는 17인(팀)의 작가가 참여하였고, 특히 1940년대생부터 1990년대생까지 세대를 넘어 공통의 주제에 대한 다각적인 예술가의 사유를 전한다. 작가들의 사유는 매체도 세대도 주제도 다르지만 결국 예술을 통해 공통의 아픔을 기억하고 위로하면서 한 걸음 나아가고자 하는 이야기로 수렴된다. ’우리가, 바로보다‘는 세월호참사를 모티브로 제작한 작품 또는 개인의 경험에 비롯되었으나 그날의 기억을 떠올릴 수 있게 하는 작품을 선보인다. ’우리가, 바라보다‘는 희생자와 유가족 뿐 아니라 참사를 바라보며 사회구성원 모두가 겪었을 아픔에 대해 예술로서 위로를 전한다. 특히 안무가 송주원의 〈내 이름을 말해줘〉는 이번 전시를 위해 제작한 댄스필름으로 희생자 304명의 이름을 몸짓으로 하나하나 새기며 추모의 마음을 담았다. ’우리가, 바라다‘는 개인과 사회의 관계, 공동체의 의미, 생명의 가치, 실제 재난에 대비해야 하는 자세 등 우리 사회가 지켜야 할 것들에 대해 다루는 작품을 한데 모았다. 3,000명의 관객참여로 완성되는 안규철의 〈내 마음의 수평선〉, 일본 노토 지진을 다룬 리슨투더시티의 〈재난 이후〉, 세월호 선체와 팽목항의 흙으로 제작한 전원길의 〈잊을 수 없는 별들〉, 청년세대의 기록을 담은 황예지의 〈안개가 걷히면〉은 이번 전시를 위해 제작된 작품들이다. 세월호참사 10주기위원회 협력으로 진행되는 이번 전시는 ‘4.16공방’ 에서 세월호참사 유가족들이 손으로 한땀한땀 제작한 공예작품도 만날 수 있다. 경기도미술관 로비에서 4월 12일부터 7월 14일까지 《우리가, 바다》전이 진행되는 동안 함께 만날 수 있으며, 유리공예, 터프팅, 압화 등의 작품과 유가족들이 직접 제작한 영상 2점도 설치된다. 전시 관람료는 모두 무료이다. 전시가 진행되는 동안 다양한 연계 프로그램도 운영된다. 개막일인 4월 12일과 폐막일인 7월 14일에는 퍼포먼스 작가 오로민경이 작가 김선기와 함께 자연으로부터 찾은 소리를 통해 공동의 위로와 기억을 잇는 사운드 퍼포먼스 〈기억 위로 얻은 소리들〉을 선보인다. 4월에는 예술의 사회적 역할에 대해 고민하고 지속적으로 재난을 소재로 한 작업을 펼쳐온 작가 김지영이 〈작가와의 대화〉를 통해 자신의 작품세계를 공유하고 대화하는 자리를 가진다. 5월에는 일상의 순간을 포착하여 회화작업을 펼쳐온 이우성 작가와 함께하는 드로잉 워크숍이 진행되고, 6월에는 개인의 삶을 소재로 사진과 글쓰기 작업을 하는 황예지 작가가 청년세대를 대상으로 한 포토에세이 워크숍을 준비하고 있다. 7월에는 리슨투더시티가 실제 재난 상황을 대비한 장애-비장애인 통합 재난 대비 워크숍 〈누구도 남겨두지 않는다〉를 진행한다. 초‧중‧고등학생 단체 방문객의 전시 이해를 돕기 위한 단체 대상 전시 투어 프로그램도 5월부터 진행 예정이다. 프로그램에 대한 자세한 사항은 4월 중 경기도미술관 공식 누리집(https://gmoma.ggcf.kr)을 통해 확인 할 수 있다. 작품보러가기

오는 4월 17일부터 서울시 종로구에 위치한 구구갤러리에서 고봉밥 작가로 알려진 홍형표 초대전 < 미생예찬 米(美)生禮讚>이 열린다. 이번 전시회에서는 수 천 번을 깎아 만든 반입체의 고봉밥 연작 시리즈를 만날 수 있다. 밥그릇에 수북하게 쌓인 쌀알은 작가의 인생 여정처럼 따뜻한 단어로 채워져 있다. 고봉밥은 홍형표 작가의 과거와 현재 그리고 미래를 연결시켜주는 매개체인 것이다. 고봉밥 작품 이외에도 호박 연작시리즈 작품도 함께 감상할 수 있는데, '인간의 관계성'이라는 주제로 전통 문인화의 필선과 현대미술재료를 사용하여 그만의 독특한 작품을 표현했다. 홍형표 작가는 전주대학교 미술대학원을 졸업하고, 개인전 27회, 런던, 홍콩, 서울을 비롯한 아트페어에 참가했으며, 만해축전 님의 침묵대전 대통령상을 수상했다. 현재 수원대학교 미술대학원 조형예술학과 객원교수로 재직 중에 있다.

오는 4월 12일까지 경기도 안산시에 위치한 혜안 갤러리에서 해당 이미례 작가의 네번째 개인전 <다채로운>전이 열린다. 이미례 작가는 이번 전시에서 봄, 여름, 가을, 겨울 등 마음속에 담아온 자연의 다양한 풍경들과 감성으로 마음에 와 닿았던 글귀, 엉뚱한 상상에서 오는 작가의 감성을 모아 작품에 옮겼다. 대한민국서예문인화대전 은상, 윤보영캘리랜드공모전 은상, 대한민국소품문인화대전 우수상,특별상 등 다양한 공모전에서 입상한 그는 현재 해당디자인아트센터 대표, (사)한국캘리그라피디자인협회 전문위원, 안산시근로자종합복지관외 다수 기관에서 출강하고 있으며, 선묵회, 사람과사람들 회원으로 왕성한 활동을 하고 있다.

오는 4월 14일까지 인천광역시 송도에 위치한 컨벤시아갤러리에서 <Rain Bow>전이 열린다. 이번 전시에서는 컨벤시아갤러리와 Concept Challenge 송도문화단체의 콜라보 전시로 진행되며, The Fool, 류지수 작가와 CC멤버들의 작품이 전시된다. Concept Challenge는 송도에 기반을 둔 문화예술활동을 하는 개인, 기업들이 모여 송도에 문화가치를 만드는 단체이다. The Fool 작가는 작년에 서울 예술의 전당에서 개인전을 개최했고, 류지수 작가는 100회가 넘는 전시를 진행한 작가이기도 하다. 컨벤시아갤러리 승민영 대표는 이번 전시에서 " 서로 다른 색들이 모여 '무지개'라는 하나의 새로운 가치를 만들어지듯이 힘든 시기임에도 불구하고 서로 함께 화합하며 살아가는 마음을 전시로 전해주고 싶었다"라고 말했다.

"지극히 ‘화려하지만 사치스럽지 않은’, 작가의 인생을 담은 화병 이야기" 고차숙 작가의 작품 속 진달래 꽃은 일필휘지 (一筆揮之), 생명력을 불어넣은 그의 붓의 선은 전통 문인화의 매력을 한껏 느끼게 만든다. 또한 한지위에 먹의 농담에 의해 번지는 미학은 그의 작품의 완성도를 더욱 높여 준다. 특히, 제각각 다른 모습을 하고 있는 화병은 현대미술과 디자인을 접목한 새로운 시도로 해석되며, 전통과 현대가 만나 잘 어우어진 현재를 말해 주고 있는 듯 하다. 마치 백제의 왕궁의 모습처럼, 지극히 ‘화려하지만 사치스럽지 않은’ 화병의 모습과 더불어 활짝 핀 진달래 꽃은 관람자들의 묘한 감정을 이끌어 내고 있다. 작가는 오랫동안 문인화에 매진해 왔다. 전통 문인화를 기초로 다져진 덕분에 현대미술 재료에서는 볼 수 없는 묘한 매력이 더해 진다. 또한 삼베를 여러겹 쌓는 방식으로 화병의 입체감을 표현하고 있으며, 화병 표면에는 점, 선이 어울어진 현대적 디자인이 가미되어 신선함을 준다. 이러한 화병은 보는 시각에 따라 항아리로 보일 수 있으며, 아름다운 화병의 모습으로도 보일 수 있다. 이렇듯 작가는 화병에 마음의 꽃을 가득 담아 인생의 여정을 보여 주고 있는 것은 아닐까? - 오창원 (경기문화예술신문 발행인, 아트디렉터) 고차숙 초대전 心-담다 2024. 4. 1 MON ~ 4. 28 SUN 오리재 갤러리 서울 서대문구 간호대로 3길 36-3 관람시간 11:00-20:30 매주 월요일 휴무 작가 작품 보러가기

한국적 이미지를 모티브로 한 휴머니즘을 이야기 하다 정천(井泉) 지회숙(池會淑)의 예술세계는 콜링우드가 강조한 것처럼 표현적이면서도 내면의 울림을 담고 있다. 작가는 오래전부터 서예를 하면서 조형이 지니는 본질적인 면들을 감각적으로 습득하였다. 이후 예술의 다양한 표현에 관심을 가져왔으며, 한국적이면서도 휴머니즘적인 예술에 애정을 지녀왔다. 특히 작가는 다(茶)와 다향(茶香)에 관한 창작에 심혈을 기울여 왔는데 이는 작품의 중심 모티브로서 큰 역할을 해왔다. 다(茶)를 중심으로 한 다화(茶畵)는 고요함과 정(淨)함과 안정감을 가져올 수 있는 의미 있는 작업이라 할 수 있는데, 작가는 마치 수행하듯 이런 과정을 통해 감정을 나누고 심제좌망(心齊坐望) 속에서 표현되는 미묘한 다향의 조형성을 맛보며 체득(體得)할 수 있었다. 이 체득은 몸소 차밭을 다니며 차향을 음미하고 차를 덖으며 얻은 것인데, 차, 감각, 몸 그리고 마음이 하나가 되는 것이라 할 수 있다. 메를로퐁티(M. Merleau-Ponty)는 “대상을 지각하면서 갖는 우리의 의식은 엄밀히 말해 대상을 아는 것이 아니라 대상에 대한 우리의 의식을 아는 것이므로 사물의 진정한 의미는 우리 자신 속에서 발견할 수 있다.”라고 하였다. 우리는 각자 작가의 작품을 대하는 시공간이 다르며 심경과 환경이 다를 수 있다. <다향심(茶香心)>이라는 일련의 작품들은 각각 하나의 개체로서 우리에게 다가온다. 우리는 이 작품들과 조우하면서 또 다른 세계를 만날 수 있으며 생명력의 소중함을 발견할 수 있을 것이다. 작가의 작품은 전통이 드러나면서도 현대적 조형성과 색채들이 조화를 이루는 특징을 지닌다. 작가는 보이지 않는 다향을 향한 마음을 현시하기 위해 차꽃을 투영해 가면서 허정담아(虛靜淡雅)한 일상을 토대로 순간순간의 느낌(feel)을 중시하고, 스스로 이미지화되는 여러 현상들을 내면에 담고자 하였다. 이를 위해 마음의 정화에 힘쓰며, 새롭고도 자유로운 예술세계로 나아가고자 하였다. 따라서 그의 작품에는 휴머니즘, 자율성, 자연성 등이 내재하며, 은유와 상징이 함축되어 있다. 이러한 은유와 상징은 사색과 작가 본연의 내면적 성찰에서 비롯된 것으로 볼 수 있다. - 장준석 (미술평론가, 한국미술비평‧미학연구소 대표) 평론 중 일부 발췌 지회숙 작가는 1963년 포천 출생으로 아호는 정천(井泉) · 다천(茶泉)이다. 원광대학교 차(茶)문화 경영학과와 수원여자대학교 아동미술학과를 졸업한 뒤 수원대학교 미술대학원 조형예술학과에서 석사 학위를 취득했다. 최근 개인전으로는 2023년 '차(茶)꽃 향기전' (수원시립만석전시관)과 2019년 '다향심(茶香心)전'(카페나루)을 개최한 바 있다. 그의 작업의 주요 주제는 '다향 (茶香)'으로 차꽃의 향기에 녹여진 내면에 깊은 마음을 담아 삶의 여유와 자연의 편안한 쉼과 행복을 주고 싶은 마음을 표현했다. 차잔에서 피어난 차꽃 향기는 유유자적한 시간을 선사한다. 그의 그림을 통해 바라본 차꽃 향기는 차의 본질로서 사람의 마음을 환기시키는 진수처럼 정성과 예술의 결정체인 동시에 잠시 동안 세상의 모든 근심을 잊게 만들어준다. 그는 개인전 활동뿐 아니라 다양한 기획.단체전에도 참여하여 작품을 선보였다. 최근에는 2023년 수원시미술단체연합전(수원시립만석전시관), 2022년 경기문화예술신문 특별기획전 유랑동행전(경인미술관) 등 초대작가로 참여하기도 했다. 현재 대한민국미술대전 초대작가, 경기도미술대전 초대작가, 경인미술대전 초대작가, 한국미술협회, 수원미술협회, 수원문인화협회, 선묵회, 사람과사람들, 수원미술협회 문인화분과위원장으로 왕성한 활동을 하고 있다. 작가 작품 보러가기

관계맺음과 소통의 치유를 자발적 감정대리인의 시선으로 표현하는 작가 지니(양은진)의 전시가 2월13일부터 2월18일까지 ‘지니다: #해피플레이스(JINIDA: #HAPPY PLACE)’展으로 수원시립아트스페이스광교에서 열린다. 전시는 선명한 색채의 회화부터, 설치, 영상, 도자기, 판소리퍼포먼스, 인쇄물 등 메시지와 정보전달을 중점으로 보여주는 개념지향적 전시로 구성된다. 해시태그 기호로 SNS(Social Network Service)에 인증하고 업로드하는 사람들의 행복장소를 관찰하고 내면에 집중하고자 마련된 전시다. 여행은 그 자체로 행복감을 주며, 전반적인 삶의 만족을 향상시키는 행동이다. 실시간으로 지인 혹은 붙특정 다수와 소통할 수 있는 SNS 사진, 인스타그램 등을 인용, 차용한 작품은 특정 관심사를 해시태그(#)기호와 결합한 콘텐츠 주제로 전달한다. 여행과 행복을 해시태그 꼬리표로 풀어낸 작품은 다른 사람과 소통하거나 그 자체로부터 오는 즐거움, 자기과시, 나르시시즘 등 여행장소의 행복의미를 시각매체와 추상회화의 다양한 시도로 보여준다. 양작가는 “해시태그(#) 기호로 결합한 콘텐츠에 관심을 갖고 해시태그로 업로드하고 인증하는 사람들의 행복한 모습, 가족, 친구, 지역주민, 여행자와의 교류, 여행과 관련된 상징물 등 사진 이미지로 공유하는 사람들의 내면을 들여다 보고 싶었다”로 소개한다. ‘반응작품’으로 알려져 있으며, 직, 간접적으로 만난 대상에 대한 느낌을 ‘감정대리인’의 역할로 옮긴 작품은 예술행위의 퍼포먼스까지 예술의 장르를 넘나드는 커뮤니티 행위로 보여줄 예정이다. 홍경한 평론가는 “나(Ago)를 인용한 객체의 관점에서 현실세계를 이해”하며, “커뮤니티(community)를 위한 추상으로 이미지일 수도 있고 하나의 색일 수도. 조형을 벗어난 행위까지 포괄한다”로 평했다. 사계절 풍경을 바람, 새, 물 등 페인팅과 소리로 담은 퍼포먼스는 오는 18일(일)에 판소리퍼포먼스 형태로진행되며, 유아부터 성인까지 참여가능하다. 양작가는 “퍼포먼스로 즐기는 관람경험은 관람자들과 소통하려는 시도로 관찰자 역할에서 벗어나 적극적인 참여로 즐기며 소통하는 스퀴글방식의 주고받는 예술경험이다.”고 말했다. 한편, 전시는 여행과 행복 키워드인 ‘해시태그 장소’에 주목한다. 행복을 표현하는 마음에 집중하고 개인의 ‘행복동기’에 집중하며 모든 순간들이 행복하길 바란다는 의미를 내포한다. 자발적 감정 대리인 위치에서 작품을 제작하는 작가는 희로애락의 감정을 색과 형태, 이미지로 빗대어 보여준다. “예술이 용기와 위안을 줄 수 있다”는 개념을 ‘파랑새’시리즈인 행복탐구로 확장해 가며 관객 스스로의 내면성찰을 제안한다. 작품을 매개체로 소통함으로써 예술로 교감하고 개별적인 경험의 가치를 높이는 기회가 될 것으로 기대된다.

이솝우화의 ‘욕심 많은 개’ 이야기를 알고 있는가? 어느 날 개는 크고 탐스러운 뼈다귀를 얻어 입에 물고 가는 길에 물 위의 다리를 건너게 된다. 그 개는 다리 아래 물속의 개가 물고 있는 뼈다귀를 보게 되고, 자기도 모르게 그 개를 보고 짖으면서 입에 물고 있던 뼈다귀를 놓치게 된다. 이 전시는 이 이야기에서 시작한다. 개는 과연 물에 비친 자기 모습을 보고 욕심을 부려 뼈다귀를 놓치게 된 것인가? 아니면, 개의 본능이 뼈다귀를 놓치게 만든 것인가? 개의 모습을 해석하는 인간이 너무 자의적으로 바라본 것은 아닐까 하는 물음말이다. 과연 우리는 개의 행동을 정확하게 바라본 것이라 말할 수 있을까? 이에 대한 대답은 ‘예’ 그리고 ‘아니오’이다. 우리가 인지하고 있는 것이 전체를 대변할 수도 혹은 그러지 않을 수 있기 때문이다. 불교 ‘장아함경(長阿含經)’의 ‘맹인모상(盲人摸象)’ 이야기와 같이 ‘욕심 많은 개’의 이야기는, 우리가 생각하는 세계에 대한 인식이 매우 단편적이면서 국한되어있는 성질을 지닌다는 것을 알려준다. 코끼리를 만지는 맹인이나 개를 해석하는 우리의 모습에서, 인간의 인식이란 것이 어떤 상황에 대해 전체적이고 합리적인 판단을 내리기보다는 자신의 주관적인 추측을 전제로 한다는 것을 깨닫게 한다. 설사 그 결과가 잘못 인식된 판단들 안에서의 편차가 존재한다고 하더라도 말이다. 또한, 이 과정에서 맹인과 개의 이야기를 해석하는 우리는 극히 일부분의 내용만 경험하기 때문에, 맹인이 만진 일부가 코끼리의 전체인 줄 알고, 개의 욕심이 이야기의 전체인 줄 아는 모순을 가지게 한다. 이는 전체와 일부의 관계를 다 보지 못했기 때문이라 할 수 있다. 이 둘의 이야기에서 코끼리와 개의 이야기는 하나의 세계라고 할 수 있다. 내가 알고 있고, 경험해 보고, 인식할 수 있는 모든 것이 내가 가지고 있는 주관적 세계의 한계이고, 사람들은 그 세계 속에서 살아가며 자신의 이야기를 내뱉는다. 그리고 타인과의 관계 속에서 수많은 자신의 이야기를 하고, 다시 받아들이는 과정을 통해 주관적 세계의 한계를 점점 체화시켜 융화하는 것으로서, 각자의 주관적 세계를 확장한다. 이러한 방법론적 입장에서, 본 전시는 예술적 목적을 이야기한다. 하나의 사물, 현상, 물질, 개념을 여러 방향으로 해석하고, 이를 상호작용하게 하여 관람자에게 전달하려 하는 경험을 10명의 작가와 만들어낸다. 예술의 궁극적인 목적이 그저 예쁜 무엇인가를 남기는 것이 아니라 작품을 통해 여러 방향으로 나의 세계를 넓히고, 다른 세계와의 소통을 통해 새로운 우주를 창출해 내는 것이라면, 이 전시는 그런 의미에서 새로운 모험을 열어 세계의 한계를 이야기하는 접점이 될 것이다. 여러 이야기가 채워진 세계에서 개의 이야기도 맹인의 이야기도 새롭게 해석되는 과정, 이를 통해 온전한 모습의 개의 마음과 코끼리가 보이는 경험은 전시를 관람하는 관람객들에게 각자가 가진 세계를 생각하게 하는 의미가 되길 기대한다. - 김한별(독립큐레이터)

2024년 미국 LA의 대규모 아트 쇼인 LA 아트쇼(LA Art Show)가 오늘부터 19일까지 LA 컨벤션 센터에서 열린다. LA 아트쇼는 100개 이상의 글로벌 갤러리, 박물관 및 비영리 예술단체가 참여하며, 여배우 루시 헤일 사회로 밸런타인데이 오프닝 나이트 프리미어 파티로 시작된다. 행사의 티켓 수익금의 일부는 미국심장협회 ‘라이프 이즈 와이’ 캠페인에 기부될 예정이다. 카산드라 보이야기스 프듀서이자 감독의 지휘 아래 LA아트쇼는 한국을 포함, 필리핀, 이탈리아, 이스라엘, 페루 등 다양한 국가 출신 작가들의 작품을 통해 가장 포괄적인 현대 미술 경험을 선사한다. 이번 행사에서 하소영 작가의 'Green과 Red' 사이에서 공존하는 새로운 감정들을 화폭에 옮긴 작품을 선보인다. 하작가는 작가노트에서 " Green과 Red가 그것들을 대변이라도 하듯 작업에 드러나고 있다. Green은 나에게 자연이 주는 치유와 안식의 에너지를, Red는 치유 받은 에너지를 발산하는 색으로 역할을 하는 것 같다"라고 말하면서 인간은 ‘아니무스’와 그와는 반대적 개념인 ‘아니마’(anima)를 가지고 있다. 나의 작업은 여성성과 남성성의 접점에 있다"라고 말을 덧붙였다. 하소영 작가의 작품은 Gellery KARO Artcontinue Booth.311에서 감상할 수 있다. ▶LA 컨벤션 센터 웨스트홀 주소: 1201 S Figueroa St. LA

오는 7일부터 인천 송도에 위치한 컨벤시아 갤러리에서 2월 기획전 ‘Letting Go’ : 텅빈 채움展이 열린다. 이번 기획전에서는 블루 색을 시그니처 컬러로 사용하는 The Fool 작가와 류지수 작가의 2인전이다. The Fool 작가는 ‘프레임’이라는 주제로 작년 서울 예술의 전당에서 개인전을 개최한 바 있다. 그의 작품의 주된 주제는 '나를 둘러싸고 있는 프레임'이다. 그는 인공적인 직선이 아닌 생명을 담은 곡선을 붓을 사용하지 않고 물감을 직접 짜내어 입체적으로 그만의 방식으로 그림을 그린다. 류지수 작가는 1978년부터 그림을 그려왔고 오랜 시간동안 인물화 작가로 활동했다. 현재는 ‘비움’ 이라는 주제를 만나면서 추상화 작업을 하고 있다. 빈 네모의 형태를 이용하여 ‘비움’을 형상화한 작품들을 선보이고 있다. 특히 이번 전시회의 두명의 작가들의 공통점은 <무한한 반복의 작업>이기도 한데, 이러한 작가들의 행위는 '번뇌'와 '상념'을 걷어내는 수행이기도 하며, 내 안을 비우면서 '참 나'를 찾기 위한 그들의 여정을 그리고 있다. 또한 오는 2월 14일 오후 6시에는 전시 연계 프로그램으로 '작가와의 만남'이 진행된다.

추상도 구상도 아닌 새로운 형상 속에서 관람객들이 잠재된 이미지를 통해 바다를 다양하게 해석하기를 바라는 박정선 작가의 <알 수 없는 풍경>은 적나라한 자연 그대로를 진솔하게 표현하고 있다. 자유를 갈망하는 현대인의 내면을 잘 투영하고 있을 뿐만 아니라, 작가만의 시선으로 표현된 바다는 관람객들로 하여금 상상의 자유를 일깨우기에 충분한 독창적인 생명력을 표현하고 있으며, 작가만의 독특한 회화기법으로 풀어내고 있다. 작품 <나무>는 에나멜 도료를 이용해서 투명 시트지 위에 드리핑하며 다양한 색지를 만든다. 그리고 캔버스 위에 검은색 에나멜 도료로 드리핑하며 나무의 형상을 만들고, 그 위에 드리핑으로 만들어 놓았던 색지를 나뭇잎 모양으로 잘라 붙여가며 무의식에서 나온 새로운 형상의 나무를 콜라주 기법으로 표현한다. 이렇게 만들어진 나무의 형상은 드리핑 기법의 무의식적 행위이자 추상의 표현이며, 그러한 무의식의 영역에서 의식의 영역으로, 새로운 형상으로 표현된다. <알 수 없는 풍경>은 핸디코트를 이용하여 캠퍼스 위에 질감을 표현한다. 그 위에 수성도료 흰색, 검은색을 떨어뜨리고 다양한 도구를 이용하여 번짐, 섞임, 긁음, 반발이라는 우연적이며 실재적 효과를 표현한다. 그 결과로 만들어진 화면 위의 흔적에서 새로운 형상을 추적하고 발견되는 것을 드러내기 위하여 최소한의 그리는 작업을 실행한다. 화면에서 드러난 새로운 형상을 ‘알 수 없는 풍경’이라는 명제를 붙인다. 작가에게 있어 잠재된 무의식만큼 진실한 것은 자연이라 인정할 수밖에 없다. ‘알 수 없는 풍경’의 형상은 무의식을 통한 극단적인 추상으로서의 시도가 있을 때 나타났으며, 그러한 작업은 이후에도 계속되고 있다. 물론 여기서 말하는 자연이란 풍경 자체를 모사하는 일에 의미를 두었다는 말은 아니다. 그것은 새로운 이미지를 찾기 위한 과정의 일환이라고 보아야 할 것이다. 압구정역 근처에 위치한 갤러리PaL <박정선 초대전>은 1관, 2관에서 진행되며 작가의 작품 30여 점을 만날 수 있다. 일/월/공휴일은 휴관이지만, 예약관람도 가능하다.

황경희 작가의 자연에 대한 관심은 개인전 초기 때부터 확연히 나타난다. ‘대지의 춤’을 비롯해 자연의 신성과 재생력을 강조하는 작품들을 다수 볼 수 있다. 이번 전시에서는 ‘신은 곧 자연’ 이라는 화두를 만나게 될 것이다. 종교성이 짙어 호불호가 갈리게 될 수도 있지만 작가의 의도는 오로지 지금의 환경위기에서 더는 인간의 의지로 해결하기 힘든 상황이기에 신에게 의탁하는 마음으로 작품을 제작했고, 그 안엔 대중에게 경종을 울리고 환경개선 노력을 촉구하는 바램 또한 들어 있는 듯하다. 작품들 중에는 연작이 포함되어 있는데, 작가의 이야기를 연상하며 작품을 감상하는 것도 하나의 관람 팁이라고 할 수 있겠다. 그 중 ‘전체성’이란 명제를 가진 작품들이 있어 짧게 설명하자면 물리학자 데이비드 봄의 이론을 접하게 된 작가가 ‘모든 피조물들은 서로가 무관하지 않다’는 자신의 생각과 상통하는 점이 있어 전체성 작업을 하게 되었다고 한다. 그동안 선보였던 작품들의 총 결산전 이라고 해도 과언이 아닐 것 같은 이번 전시는 작가가 궁극적으로 추구하는 바가 무엇인지 확연히 알 수 있는 계기가 될 것 같다. 작가의 초심에는 풋내기 시절 읽었던 장일순 선생의 “나락 한 알 속의 우주”가 큰 공명을 일으켜 지금껏 작품 속에서 그 뜻을 전달하게 되는 것 같다고 말한다. 황경희 아홉 번째 개인전 “생명의 하느님은 우리와 함께” 2024. 01. 22 MON ~ 01. 29MON 한전아트센터 갤러리 제2관 서울 특별시 서초구 효령로 72길 60 관람시간 : 매일 10:00 ~ 18:00 토, 일요일 및 공휴일 10:00 ~ 17:00

<My universe#2 : 의미있는 시간> 전시가 갤러리 파라솔에서 2024년 신년 전시회로 개최된다. 이번 전시는 색연필로 작업하는 작가들의 전시로 다양한 주제와 스타일로 작업하는 여러 색연필 화가들의 예술적 세계를 엿볼 수 있다. 강경숙, 공보경, 이청수, 이희민, 정혜선 5인이 펼치는 이번 전시에서는 색연필의 다채로운 색채를 이용하여 감정의 흐름을 표현하고, 형상화되지 않은 아이디어를 새롭게 해석하고 있다. 오랜 작업의 시간을 거쳐 다양한 색연필과 종이들을 테스트해 완성한 이번 전시를 통해 관객에게 감정적인 공감과 고요함을 전하면서 동시에 창의적인 자유를 부여하고 있다. 이런 새로운 시도나 연구들을 통해 수없이 일어나는 크고 작은 성공과 실패들은 이 작가들에게 너무도 의미있는 시간들이며 그 시간을 통과해 완성되어지는 작품들은 작가들만의 우주를 만들어 나가고 있다. 한편 'My universe#2 : 의미있는 시간' 전은 작년 3월부터 4월간 '광주 온암갤러리'와 '부산 갤러리153'에서 진행됐던 'My universe#1'에 이은 2024년 새해 첫 전시이다. 이번 전시를 통해 색연필 화가들의 아름다운 예술적 성취를 감상하고, 그들의 작품을 통해 새로운 시각과 감정을 경험할 수 있는 특별한 전시로 기억되길 바란다. 전시는 1월 2일부터 31일동안 경기도 의왕시에 위치한 갤러리 파라솔에서 열린다. 작가 작품 및 작가 약력 바로 가기 (클릭)

이선미 작가의 작은 안경알 하나에는 무한한 세계가 담겨져 있다. 사람의 삶도 그러하듯, 작은 순간들이 모여 큰 이야기를 이루기 마련이다. 그의 작업은 우리가 매일쓰였던 안경이 작품의 소재이다. 안경알을 손으로 직접 엮고, 조각 조각 이어붙인 그의 작품은 이내 아름다운 도자기로 재탄생된다. 안경 렌즈는 특정 개인의 필요에 의해 제작⦁가공된다. 다른 사람과 공유할 수 없는, 그 사람에게만 꼭 맞춰진 안경 렌즈는 바로 ‘그 사람’을 투영한다. 각자의 굴절과 두께, 색을 지닌 렌즈, 그리고 그 위에 덧입혀진 흠집과 먼지는 그 사람의 시간과 이야기를 품는다. 이선미는 각자의 시간과 이야기를 덧씌운 렌즈를 광내고 다듬는다. 그리고 그 렌즈들을 손으로 엮고 빚으며 렌즈들(사람들) 간의 관계맺음을 작품으로 시각화한다. 작가가 관계를 형성하는 이 일련의 과정에는 궁극적으로 사람에 대한 그의 애정이 묻어있다. 이번 전시 <오늘을 빚다> 역시 사람을 대하는 이선미의 따뜻한 시선과 희망을 담는다. 그는 존재 자체로 가치를 인정받는 국보 도자기의 형상을 차용해 오랜 시간 사람들이 함께 구축해 온 문화와 양식의 가치를 보여준다. 동시에 그 형상을 구성하는 렌즈에 빛이 투과하면서 충돌, 산란하는 영상적 움직임은 다양성을 지닌 개개의 존재가 얽혀 있는 사회의 양상과 닮아 있다. 빛의 방향과 색이 치밀하게 설계된 지형도가 그려내는 빛의 유영은 단순한 시각적 표현을 넘어 복잡다단한 우리의 관계망이 서로의 차이와 이질성을 통합하는 이상적인 형태를 이루기 바라는 작가의 마음을 담아낸다. 그의 작업에서 바라본 우리의 여정도 안경알처럼 다양한 순간들로 가득 차 있다. 어떤 순간은 작고 조용하지만, 어떤 순간은 크고 눈부시며 우리를 변화시킨다. 때로는 그 안에서 웃음과 눈물, 기쁨과 슬픔이 공존하고 있다. 안경알 하나하나가 마치 나의 소설처럼 풀어지듯, 우리의 삶도 작은 순간들의 연속이자 큰 이야기로 가득차 있다. 우리는 그 안에서 우리 각자의 삶이 빛나고 있지 않을까. 이번 전시를 통해 나의 이야기를 발견하고, 나만의 아름다움을 찾아가길 바란다. 이선미 작가는 서울 산업대학교 금속공예과를 졸업하고 국민대학교 일반대학원 금속공예과를 졸업했다. 최근에는 세계가 주목하는 전시인 청주 국제 공예 공모전에서 금상을 수상한 바 있다. 이번 전시는 22일까지 계속된다. 작품 및 작가노트 바로가기 (클릭)

이솔, 최나리, 하지원 작가의 3인 전시 < ‘Here and Beyond’ (여기, 그리고 그 너머)展>이 서울 성수동에 위치한 복합문화공간 아트스페이스 폴라포에서 개최된다. 이번 전시에서는 각기 다른 주제와 기법으로 활동하고 있는 3인 작가들의 공통점인 '사람 냄새가 물씬 풍기는 사람들의 이야기를 다룬 작품들을 선보인다. 작가의 철학과 마주한 시선들은 '현실 그 너머의 공간'에 대한 이야기들이다. 3인의 작가는 각기 다른 그들의 개인적인 공간에서 바라보는 이야기들을 하고 있다. 최나리 작가는 ‘마토’와 ‘마요’라는 캐릭터로 인간의 욕망을 표현하는 ‘유토피아’ 시리즈를, 이솔 작가는 생활 속에서 오는 영감의 ‘그 순간’을 작업하는 ‘The Ocean’ 시리즈를, 하지원 작가는 디지털화된 세상에 그 벽 너머, 현실의 세상에서의 따뜻함을 말하고자 하는 ‘Relationship’ 시리즈를 선보인다. 스킨스쿠버를 하던 어느 날 암흑 같은 바닷속에서 죽음의 두려움이 차올랐고, 그 두려움 속에서 헤맬 때 시선을 위로 전환하니 빛이 내려오는 수면이 보였다. 그 순간 두려운 감정이 모호해지면서 이 공간이 아름답게 느껴졌다. 작가의 이 경험은 『죽음과 삶의 경계를 결정짓는 것은 무엇인가?』라는 질문을 던졌고, 이는 이 솔 작가의 ‘The Ocean’ 시리즈의 시작이다. 『우리에게는 죽음의 두려움을 느낄 수 있는 공간이 바다 생물들에게는 오히려 삶의 공간인데 온전히 위험하다거나 안전한 공간이라는 것이 있는 것인가?』라는 경계의 모호함에 대해 질문을 던지는 작품이다. 작가는 작업을 할 때 상하를 반전하는 작업을 통해 위와 같은 이분법적인 시각의 전환을 보여주고 있다. 우리가 생각하는 그 경계가 절대적인 진리가 아닐 수도 있다는 시각과, 그 기준은 무엇이며, 누가 정하는 것인가에 대해서 계속해서 질문하는 작업을 하고 있다. ‘유토피아’ 라는 공간은 최나리 작가의 페르소나인 마토와 마요가 함께 살아가는 공간이다. 이 공간은 우리가 삶을 살아가면서 경험하게 되는 여러 가지 선택과 배제, 욕망과 욕구들을 마주한 순간을 보여준다. ‘유토피아’ 시리즈는 최나리 작가의 ‘꿈’의 공간이다. 최나리 작가가 만든 ‘유토피아’ 안에서 둥근 마토와 각진 마요가 각자의 모습으로 공존하며 살아가는 모습을 담고 있다. 그 안에는 다양한 모양의 도형들이 서로 어우러져 있다. 각자의 모습과 욕망이 버무려져 있는 공간을 선과 밝은 색감으로 표현했다. 마지막으로 긋는 검은 선은 그 안에 모든 것들은 연결해 주는 역할을 한다. 꿈속에 있는 듯한 느낌의 이 공간은 작가가 바라는 이상향의 공간을 이미지화한 작품이다. 미디어에 노출된 지금 세대에서 관계는 너무나 쉽게 연결되기도 하고 단절되기도 한다. 얼굴을 모르는 사람끼리 말하는 것이 쉽고, 실제 얼굴을 본다면 못 할 말도 온라인에서는 너무 쉽게 할 수 있다. 하지원 작가는 이런 익명성을 얼굴이 없는 사람의 몸으로 작품에서 표현하고 있다. 하지만 그것을 직시하는 것에 끝나는 것이 아닌 더 나아가 디지털 세계에서도 현실에서의 관계처럼 건강한 관계(연결되는 관계)를 만들어가고 구성해 나가야 한다고 이야기하고 있다. 작가의 그러한 시선은 끈끈하게 결속되어 있는 사람들의 모습으로 표현했다. 이것은 디지털 세계에서도 지금보다 더 나은 인간관계를 향해 나아가고자 하는 의지로 보인다. 처음 공개되는 3인의 전시는 서로 다른 질감의 작업이 하나가 되는 '연결과 화합'을 느낄 수 있다. 이렇듯 3인의 전시를 통해 '여기, 지금' 우리는 각기 다른 공간에서 다양한 꿈과 희망을 안고 살아가고 있다. 각자의 삶은 고유한 이야기를 갖고 있고, 각기 다른 유토피아적인 세계관을 간직하고 살아간다. 그 꿈꾸는 상상이 '현실'이 되는 순간, 비로소 우리는 새로운 이상적인 세계를 현실로 만들어가는 주인공이 된다. 이번 전시는 12월 18일부터 내년 1월 14일까지 열리며, 전시기간 중에는 '작가와의 만남'을 통해 관람객들과 함께 소통할 수 있는 장이 마련된다. '작가와의 만남'은 추후 공개되는 아트 스페이스 폴라포 홈페이지를 통해 확인 할 수 있다. 다비드 자맹 ‘New Journey’ 전시를 기획했던 승민영 디렉터는 전시 서문에서 " 꿈을 이루기 위해서는 때로는 작은 부품들을 하나씩 조립해 나가야 합니다. 포기하지 않는다는 것은 꿈의 조각들을 한데 모아 나가는 것과 같습니다. 작은 성취들이 큰 꿈을 향한 여정에서 우리에게 힘을 주며, 꾸준한 노력이 우리의 꿈을 현실로 만들어 줄 것입니다. 단순한 상상의 나래일 뿐이지만, 결코 우리가 꿈꾸는 유토피아는 꿈이 아닌 '현실'로 만들어 갈 수 있습니다." 라고 말했다. 이번 전시는 오는 12월18일부터 2024년 1월 14일 까지 계속된다. 작가 작품 더 보기 (클릭)

이수민 개인전, <그리움 LONGING>展이 12월 20일부터 26일까지 서울 종로구에 위치한 경인미술관 제 6전시관서 열린다. 우리 시대에는 파초를 소재로 한 그림을 좀처럼 보기 어렵지만, 파초는 예로부터 중국이나 우리나라의 문인들이 즐겨 그리는 소재로서 조선시대 김홍도 등 대표적인 화가들의 그림에 심심찮게 등장한다. 파초는 상서로움과 희망을 상징하여 많은 사람으로부터 사랑을 받아왔으며, 조금은 이국적인 느낌을 주기도 한다. 이수민은 파초의 작가이다. 따스한 남쪽 부산에서 자주 볼 수 있었던 파초는 어린 마음을 사로잡을 정도로 푸르고 풍요로우며 넉넉함을 지닌 아름다운 식물이었다. 파초는 그의 삶에서 떼려야 뗄 수 없는 소중한 존재로서 자신도 모르게 마치 향수처럼 마음 한 구석에 자리 잡게 되었다.서울에서 성장하면서부터는 파초를 좀처럼 보기 어려웠는데, 파초를 보기 위해 여러 식물원 등을 찾아다니기도 하였다. 어려서부터 파초를 지켜보며 파초와 무언의 대화를 나눌 정도로 친숙해진 작가는 자신이 보고 느껴온 파초의 본모습을 화면에 담고자 많은 생각과 고민을 해오면서 파초와 감성적으로 교감하였다. 그래서 그리운 엄마와의 추억, 희망 등을 화사한 파초를 통해 조형적으로 형상화할 수 있었다. 작가의 파초는 단순하게 객관적인 모습을 있는 그대로 그린 것이 아닌 근원적 모습, 즉 파초의 오라(aura)를 담은 것이다. 이 오라(aura)에는 작가의 어린 시절 추억, 희망, 꿈 등이 오롯이 내재해있다. 이는 쉽지 않은 조형화 작업으로서 작가만의 예술적 감성에 의한 것이라 할 수 있다. 그의 작가 노트에는 어린 시절과 엄마에 대한 그리움이 묻어있다. - 장준석 미술평론가 글 일부 발췌) 이수민 작가의 아호는 서정(瑞庭)이다.성신여자대학교 예술대학 동양화과를 졸업한 후 수원대학교 미술대학원 조형예술학과에서 석사학위를 취득하였다. 올해 네번째 개인전 ‘그리움전’(경인미술관)을 개최한 그의 작업의 주요 주제는 ‘파초’이다. 작가는 어릴적 행복했던 기억들을 꺼내어 지난날의 행복했던 순간들을 그림으로 표현했다. 작가의 파초는 단순하게 객관적인 모습을 있는 그대로 그린 것이 아닌 작가의 관계로부터 파생된 감정과 기억의 매개체인 ‘파초’의 오라(aura)를 담고 있다. 최근에는 BAMA 부산국제화랑아트페어를 비롯하여 조형아트서울, 고양국제아트페어, 경기문화예술신문유랑동행전, 수원코리아아트쇼 등 다채로운 아트페어 및 단체전에도 참가하여 창작 작품을 선보이고 있다. 현재는 대한민국미술대전 초대작가, 경기도미술대전 초대작가, 행주미술대전 초대작가, 한국미술협회, 경기미술협회, 고양미술협회, 고양여성작가회, 일산미술협회, 한국조형미술학회, 울프회, 사람과사람들 회원으로 활동하고 있다. 작가 작품 및 전시 서문 바로가기(클릭)

안중열 사진전 <소통(Interact) - Photo Cubism>이 2024년 1월 3일부터 1월 26일 서울시 서초구에 위치한 나우리 아트센터 갤러리서 열리고, 1월 30일부터 2월 13일까지는 부산광역시 금정구에 위치한 ART SPACE LEESEEN서 릴레이 전시가 펼쳐진다. 이번 전시에서 안중열 작가는 " 작업실에서 마무리된 이번 프로젝트의 Photo Cubism 작품은 완성된 작품이 아니다. 이들 작품은 관람자의 위치와 시선에 따라 그 느낌이 사뭇 달라지는 특징을 가지고 있다. 따라서, 관람자의 시선이 작품과 함께 현장에 존재하고, 작품과 관람자의 일체된 소통이 이루어질 때 비로소 내 작품은 완성된다 할 것이다" 라고 말했다. Photo Artist 안 중 열 21C에 접어든지 어언 사반세기가 지난 오늘날, 아직도 인간의 교류와 의사소통은 지난 세기와 다름없이 편협되고 측향(側向)적이다. 주변을 둘러보면 거의 대다수가 주장만 있고, 관용과 수용은 부족하다. 소통의 부재가 불러온 참사가 사회 각계각층에서 지속적으로 일어나고 있다. 한쪽 말만 들으면 어두워지고, 여러 측면의 말을 들으면 현명해진다(兼聽則明, 偏信則暗)는 자세로 자신의 주장에 집중하기 보다는 상대의 입장을 들으려는 태도가 절실해 진다. 다리는 서로 떨어진 지역의 교류를 위하여 세워진 문명의 혜택으로 소통의 근간이다. 소통을 통하여 서로를 이해하게 되고, 이해의 폭이 넓어지면 서로를 신뢰하게 된다. 너를 믿고 싶어서 너의 마음속으로 들어가게 되고, 나를 믿어달라고 나의 속마음을 드러내게 된다. ‘들어가고’, ‘드러냄’으로써 소통의 골격은 성립되고, 그로 하여금 신뢰가 형성되면 소통의 목적은 달성된다. 나의 작업은 소통의 근간인 다리의 교각을 오브제로 하여 상대방의 심연으로 들어가고자 하는 심리를 병치시켜 음각으로 작업하였다. 이는 소위 Photo Cubism의 기호학적 정의이다. 다리의 교각을 소통의 기의(시니피앙)로 삼고, 음각의 결과를 통해 상대의 심연으로 들어가고자 하는 기표(시니피에)로 드러낸다. 따라서, 나의 포토큐비즘 작업은 소통을 통해 깊은 신뢰를 형성하고자 하는 기호로 삼는다. 편협되고 측향적인 오늘날, 내 작업이 믿음과 신뢰가 넘치는 사회를 지향하는 작은 메시지가 되기를 희망해 본다. <작가약력> 안중열 (Ahn Jung Lyel) 경북대 사범대학 물리교육과 졸업 (1989) 성균관대학교 대학원 교육학과 졸업(2003) 한미사진미술관 Camera Master 수료(2013) 및 Poster Master 회원 전시 강화역사박물관 ‘고인돌과 별’ 상설전(2016.05~현재) 한미사진미술관 PM회원전 (한미사진미술관, 2017.03.18~30) 강화역사박물관 고인돌 기획초대전 (강화역사박물관, 2017.04.11.~06.25) 아트마이닝 작가전 (예술의 전당 한가람미술관, 2017.05.26~05.31) 에코국제현대미술전 (부산 을숙도문화회관 2전시실, 2017.07.31~08.05) 대리국제사진전 (중국 운남성 대리시, 2017.08.17~08.23.) 사진진주 2017. 소환된 기억의 재현전 (예림갤러리. 2017.11.13.~11.26.) 뉴욕 브루클린 13인의 한인 사진전 (N.Y. Brooklyn Arthelix Gallery 2017.12.01.~12.17.) 전주국제사진제 시선과 사유전_사진공간눈 (2018.5.12~20) 고대의 메시지 (Ancient Messages) 안중열 개인전_갤러리미술세계 (2018.05.23~06.05) KUCA2018 현대사진전_아트스페이스 AkT, 우크라이나 (2018.06.14~07.22) 제5회 한국현대사진공모 선정 작가전_갤러리인덱스, (2018.09.12~10.01) 天上之門_안중열 개인전_나우리 아트센터•갤러리 개관초대전 (2019.01.03.~2.23) 공유데이 051 초대전_부산아트스페이스U (2019.03.26.~04.05.) 사진진주 2019 (Blending)_두산종합목재2F 전시장 (2019.11.03.~11.17.) 제4회 평택국제사진축전 초대작가전_송탄국제교류센터(2020.09.05.~09.27) 영풍문고 2013. 연말 선물전_영풍문고본점 갤러리(2023.12.3.~12.30)

강화도 작업실 앞에 펼쳐진 바다와 하늘, 들풀과 야생화 등 소박한 생명과 그것을 바라보는 따뜻한 시선을 캔버스에 담는 구상화가 이강화 교수의 45번째 개인전이 12월 15일(금)부터 압구정동 갤러리PaL에서 개최된다. 생명의 경이로움을 오래된 고가구 서랍과 문짝, 버려진 삽과 같은 기억 속 사물에 담아 그 의미를 더하기도 하고, 다양한 재료로 밑칠 된 배경 위에 리듬감을 얹어 자연에 순응하는 작가만의 질서를 표현한 작품- 소품에서 500호에 이르는 30여 점이 전시 된다. 이강화는 부산에서 태어나 인천에서 성장하고, 서울대학교 미술대학에서 서양화를 전공하였다. 졸업 후 프랑스 파리 국립 8대학에서 학사와 석사를 마치고 돌아와 45회의 개인전 및 500여 회의 단체전과 프로젝트 전시에 참여하며 활발한 활동을 하고 있다. 현재는 세종대학교 예체능대학 회화과 교수로 재직 중이다. 이강화 작가노트 청연(淸緣) 우리의 삶에서 점점 마음의 거리가 멀어지는 것만 같은 자연을 탐미하고 캔버스에 그리는 작업을 한 지 꽤 오래 되었다. 소유할 수 없어 아름답기도 하지만 스쳐 지나가는 소박한 자연풍경이 에너지를 만들어 내기에 늘 내 작품의 소재로 삼게 된다. 자연을 바라보는 따뜻한 시선에서, 혹은 바람에 흔들리는 찰나의 한 장면에서 오래도록 기억에 남아 있는 순간을 화폭에 옮기는 작업이기에 자연과의 공감은 나에게 더없이 ‘즐거운 놀이’다. 학창시절에도 교복을 입은 채 자전거를 타고 들판에 나가 책을 펼치면 공부가 더 잘 되곤 했다. 해질녘까지 그렇게 책과 해 그림자와 놀았지만 학교 도서관보다 집중이 잘 되었던 건 들판의 냄새와 빛깔과 자연의 소리가 내 온 감각과 공감의 시간을 허락했기 때문이었던 것 같기도 하다. 지금도 나는 바다와 산으로 둘러싸인 강화도에서 바다와 갯벌의 간극을 멍하니 응시하다 노을을 캔버스에 옮겨 그리기도 하고, 맨발로 숲길을 걷다가 올려다 본 나무숲을 햇살이 긁어낸 것 같은 빛으로 표현하기도 한다. 여름이면 유난히 내 작업실 앞에만 엉겅퀴 꽃으로 가득하다. 반딧불이가 날아드는 여름날의 내 마당 풀숲에서도 동화 한 편이 써질 만큼 이해할 수 없는 현상들이 일어나곤 하는데, 그건 내 작업의 소재들이 나에게로 와 안기는 느낌이다. 어쩌면 그 알 수 없는 의문부호가 내 작업의 진정한 존재를 만들기도 했고 내 작업을 지탱하는 힘이기도 했다는 생각이 든다. 절멸위기에 선 지각변동이 자연을 휩쓸고 가는 영상을 대할 때마다 나무와 숲과 물에 의지해 사는 인류의 기억도 저렇게 훼손당하는 건 아닐까 우려스러울 때가 있다. 자연은 우리가 함께해야 할 분리되지 않는 영역임을 왜 잊고 사는지...... 재료실습을 통해 여러 번 덧칠된 캔버스 천은 이미 작업을 시작하기에 충분한 밑바탕이 되어 있다. 작업실 이곳저곳엔 그렇게 얼룩진 천들로 가득 쌓였지만, 그 안에 동반된 것들은 흩뿌려진 물감뿐 아니라 세월이기도 하고 그날그날의 온도이기도 하였음을 기억하기에 무엇을 그릴지 대상을 선정하는 데 그리 오래 망설이지 않는다. 물감의 레이어가 얼마만큼의 두께로 쌓였는지, 또는 여백의 공간이 어느 방향에 있는지에 따라 작업의 주제가 정해지기 때문이다. 강아지풀의 기다란 선 하나를 그리기 위해 숨을 멈춘다. 바다에 비추인 흐린 날의 석양을 그리려면 배가 불룩할 때까지 숨을 한가득 먹기도 한다. 폭포에 흘러내리는 물줄기를 그릴 때에는 숨을 한껏 내뱉으며 위에서 아래로 붓을 따라 속도를 내어 나도 따라 흘러야 한다. 해녀들의 전통적인 호흡법인 ‘숨비소리’는 잠수하던 해녀가 바다 위로 떠올라 참았던 숨을 휘파람 같은 소리를 내며 호흡을 가다듬는다고 소리다. 2-3분이나 되는 그 긴 시간 동안 숨을 참으며 물질하다 바다 밖으로 얼굴을 내밀며 내는 소리에서 우리는 어떤 신비감마저 느끼게 되지만, 해녀들의 삶과 문화를 담고 있는 숨비소리는 결국 살아 있다는 소리다. 바다에선 욕심내지 말고 숨만큼만 버티라고, 그리고 더 이상 버틸 수 없을 땐 시작했던 물 위로 올라와 숨을 고르라고...... 참았던 숨을 터뜨리는 절박한 소리처럼 한 획을 긋는 나의 숨에도 생명을 담으려는 처절함이, 복식호흡으로 단련된 단단함이 녹아 있다. 멈추었다 내뱉는 숨의 속도에 리듬이 붙어야 작품도 경쾌해진다. 작품을 보는 사람들도 그 호흡을 알아차린다는 게 때론 신기하다. 나무나 철판에 붓질을 할 때는 캔버스보다 몇 배쯤 더 호흡을 가다듬게 된다. 자칫 선이 빗나가기라도 하면 다시 수정할 수 없기 때문이다. 늘 스케치 없이 작업하는 탓에 머릿속에 남겨 둔 이미지를 오차 없이 나무나 철판 위에 표현할 때는 숨과 공기의 적절한 배합이 필요하다. 따로 배운 것도 아닌데 스스로 복식호흡을 편하게 하던 습관이 그림을 그릴 때는 많은 도움이 되곤 한다. 휘파람을 잘 부는 이유도 아마 그 때문일 것이다. 우연히 <호흡그리기>라는 책을 본 적이 있다. 빨간 점선을 따라 가며 숨을 들이쉬라고도 하고, 파란 점선을 따라 숨을 내쉬라고도 하며 그림을 따라 들숨과 날숨을 반복하도록 그려진 책이었다. 마치 벌이 꽃을 찾아 이리저리 옮겨 다니는 것 같이 상상하며 호흡을 하도록 유도하고 있었다. 이 훈련은 인체의 내적인 물리적 정신적 균형을 잡고 자기 자신에 대한 기대치 그 이상을 성취해 가장 바람직한 삶을 살기 위한 하나의 수단이라는 설명도 붙어 있었다. 시각적인 즐거움이 분명 있었다. 마음챙김이 무엇보다 중요하다는 역설이 호흡법으로 가능함을, 호흡이 묘약임을, 호흡으로 인해 내적 감각 능력과 자기 인식 능력, 더 나아가 창조적 통찰력에까지 영향을 준다는 것이었는데 나도 이 역설에 적잖이 동의하는 편이다. 몇 년 동안 요가를 해본 경험으로도 체험했으니까 말이다. 호흡이 몸과 마음을 연결하는 통로임을...... 겨울의 차가운 바다색이 작품 <청연(淸緣)>의 밑바탕이 되었다. 내 작업실 가까이에서 피고 지는 강아지풀과 엉겅퀴들이 뒤섞여 나와 맺은 더없이 소중하고 귀한 인연 덕에 마흔다섯 번째 개인전을 준비할 수 있었다. 자연은 나의 질량에 맞는 인연이기도 했고 나를 감금시킬 만큼의 충분한 에너지이기도 했다. 학창시절의 ‘즐거운 놀이’가 정년을 앞둔 지금까지도 변함없이 계속되고 있다는 건 ‘자연과 나의 청연(淸緣)’ 때문임이 분명하다. - 2023년을 보내는 12월에, 강화도에서...... 전시제목 : 청연 (淸緣) 전시일정 : 2023. 12. 15 - 2024. 1. 31 오픈초대 : 2023. 12. 15(금) 오후 5시 전시장소 : 갤러리 PaL (1F / B1) 서울시 강남구 논현로 164길 21 바른미술학원 1층 010 2217 3210 관람시간 : 11시-18시( 일/월 휴무- 예약전시관람 가능) 이강화 작품 보러가기 (클릭)

12월 09일부터 인천광역시 연수구 센트럴로 123 남문 8-12 게이트, M11-12호에 위치한 컨벤시아 갤러리에서 2023 유랑동행 프로젝트의 일환으로 컨벤시아 갤러리와 경기문화예술신문 공동 기획 <낭만시대展>이 개최된다. 이번 전시는 '낭만시대'라는 전시 타이틀로 'Do you believe in Santa Claus?' 라는 슬로건을 내걸고 전시 이야기를 관람객과 소통하고자 한다. 크리스마스, 그 순간은 마치 어릴 적의 꿈이 하늘을 향해 피어오르는 듯한 특별한 낭만의 시간이었다. 겨울의 서늘한 공기에 감싸인 이 시기에는 사람들의 마음이 따뜻함과 소망으로 가득 차 있다. 크리스마스 트리의 불빛이 방 안을 채우면, 어린 시절의 기쁨과 설레임이 떠올랐을 것이다. 그 눈부신 불빛은 마치 우리의 소망과 꿈이 현실로 이뤄진 듯한 기분을 선사하곤 했다. 크리스마스 트리에 걸린 작은 장식품들은 삶의 작은 기쁨들을 상징하며, 크리스마스는 우리에게 기적과 희망을 상기시키고 있다. 돌아올 연말의 크리스마스 분위기는 우리에게 추억을 불러 일으킨다. 그리고 크리스마스의 추억을 떠올리면 산타가 생각난다. 산타의 실존 유무의 팩트보다 그 존재를 믿었던 그 시간이 감성과 낭만이 있었다. 산타를 믿지 않은 지금의 우리 마음속에도 각자의 낭만은 아직 남아있지 않을까? 삶 속에서 내 안에 들여다 볼 여유가 없이 살아갈 수도 있겠지만, 예술을 하는 작가들은 어쩌면 그 낭만을 항상 깨우고 표현하는 직업이 아닐까 생각해본다. 이번 크리스마스에는 우리 주변의 소중한 순간들에 주목하고, 서로에게 따뜻한 사랑을 전하며 특별한 낭만을 만끽해 보면 어떨까? 크리스마스의 기적은 우리 주변에 있다. 이번 전시의 작가들의 낭만이 보시는 관람객들의 낭만도 깨워주길 바란다. 인천 송도 신도시, "예술의 향연, 새로운 문화예술의 장을 세우다" - 컨벤시아 갤러리 전시 기획자 ‘승민영’ 대표가 운영하는 송도 컨벤시아갤러리는 송도에 예술의 다양화와 관객들과의 소통의 기점 역할을 위해 시대적 가치를 담는 작가와 작품들을 대중들과 함께 교감하고 있다. 같은 공간, 같은 그림 일지라도 그 안에 어떤 이야기를 담느냐에 따라 다른 공간이 된다. 컨벤시아갤러리는 공간과 그림이 융화되며, 관객이 스스로 느끼고 경험할 수 있도록 그 이야기를 만들어 나가고 있다. 이번 전시는 12월 17일까지 계속된다. 작가 작품 및 작품 전경 보러 가기(클릭)