‘보자기’ 작가로 알려진 김시현 씨의 올해 첫 개인전이 ‘이름, 꽃이되다’의 주제로 파주의 ‘갤러리 아트리에 헤이리’에서 5.2.(목)~5.31.(금)일까지 열린다. 이번 전시회에서는 20여 점의 작품이 계절의 여왕 5월을 화사하게 수를 놓는다. 김 작가는 28년 경력의 중견 화가로 지난 16년 동안 우리의 전통 생활 문화인 보자기를 오브제(objet)로 활용 현대적으로 재해석하는 작업을 통해 대중의 사랑과 주목을 받아왔다. 그동안 재현된 현대 미술에서 보자기는 늘 있었으나 비녀가 없었고 꽃이 없었고 책이 없었고 댕기 등 여성을 상징하는 장신구가 없었다. 여기서 한 걸음 더 나가 한지(韓紙)에 스민 민화(民畵)를 품고 가장 한국적인 금동미륵보살반가사유상(金銅彌勒菩薩半跏思惟象)과 가장 세계적인 코카콜라 그리고 한글과 역시 코카콜라와의 조우 등은 끊임없이 새로움을 추구하는 김시현 그림의 황홀한 생명력을 상징한다. 제국의 상징과 문화의 호혜라는 양가적 이미지의 보자기를 전통과 병치함으로써 생기는 도도한 예술적 충격은 김시현 그림의 특장인 ‘유연함’이 아니면 설명할 수 없는 부분으로 너머를 향한 작가의 초월 의지의 산물이다. 동서문화의 융합과 통섭을 놀랍도록 이상적으로 보여준 ‘가방’과 ‘보자기’와의 만남도 작가의 이러한 일련의 예술 철학의 소산이다. 이렇듯 김시현의 보자기는 단순히 조화를 위한 기존의 기계적인 정태적 포즈를 벗어나 이질적인 ‘낯섦’과의 적극적인 만남과 소통을 통해 존재의 본질에 대한 물음을 세상에 던진다. 특히 ‘투명 보자기’ 시리즈(2009년)와 ‘헤드셋’ 시리즈(2018년)는 김시현 그림의 끝없이 진화를 상징적으로 보여주는 장면으로 그의 그림(보자기)이 대중들에게 깊이 각인되며 보편적으로 알려지게 된 역작이다. 김 작가는 2004년부터 현재까지 45회의 개인전과 500여 회의 그룹전 및 기획전에 참여했다. 주목할 일은 작년 6월 파리에서 개최된 해외 특별전에 한국을 대표해 참가하여 우리의 전통문화인 보자기의 예술적 가치를 세계와 보편적으로 공유하는 데 크게 기여했다는 점이다. 이러한 관심은 한국은 물론, 세계인에게 깊은 감동을 주어 요즘 대세인 ‘k-아트’의 우수성을 알리는 데 큰 역할로 이어지고 있다는 것이다. 보자기가 의미하는 ‘사랑’과 ‘정성’ 그리고 ‘통합’이 인종과 국경을 초월해 인류의 보편적인 가치와 잘 부합하기 때문이다. 강찬모 문학 평론가는 김 작가의 이번 전시회를 김춘수의 ‘꽃’을 예로 들면서 “반복할 수 없는 대체 불가능한 일회적 아름다움의 결정체를 ‘꽃’이라 칭하고 타자였던 존재가 호명을 통해 지상 최고의 융숭한 찬사인 꽃이 된다”고 말하며 “김 작가의 예술적 구현도 이러한 과정을 포함하는데 ‘그림’이 ‘보자기’로 치환되는 순간이 바로 꽃이 되는 순간”이라고 말한다. “이 순간이야말로 김 작가의 보자기가 눈부신 실존적 고유성과 함께 새로운 생명이 잉태되는 경이로운 꽃의 순간”이라고 말한다. 김 작가의 시그니처인 'The Precious Message'(소중한 메시지)도 새롭게 변주된 보자기를 통해 당신이 꽃이라고, 꽃이 당신이라고 말하는 따뜻한 전언이다. 김 작가의 보자기 그림은 현재 중.고등학교 미술 교과서에 수록되어 있다. 또한 한국의 대표적 석학이던 고 이어령 교수의 책 ‘이어령의 보자기 인문학’ 표지 그림에 실려있기도 하다. 김 작가의 작품은 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 경기도미술관, 양평군립미술관 그 외 해외대사관을 비롯해 여러 곳에 소장되어 있다. 전시회는 매주 월요일(휴관)과 공휴일을 제외하고 오전 10시부터 오후 7시까지 관람할 수 있다. 작품 보러 가기

이호백 초대전 <토끼>展이 오늘부터 5월 18일까지 갤러리 PAL (1관, 2관)에서 열린다. 특히 전시와 연계된 아티스트 토크 <예술이 된 그림책과 그림책이 된 예술>는 5월 3일(금) 오전 11시부터 12시 30분과 5월 8일(수) 오전 11시부터 12시 30분까지 두번의 걸쳐 진행된다. 어린이 그림책을 위한 회화 작가를 발굴하는데 힘쓰고 있는 이호백 작가는 한국의 그림 문화가 담긴 그림책 시리즈를 출간하고 있다. 그림책의 소재를 일상에서 찾아 아이들의 호기심을 이끌어 내기도 하고, 토끼를 통해 낯설지 않은 흥미로운 이야기를 전개해 나간다. 토미 웅거러의 영향을 받아 글과 그림을 함께 쓰고 그리며 수많은 어린이 책을 출간한 작가는 “토끼전” 개인전을 준비하며 다음과 같이 작가노트에서 감회를 표현하고 있다. 이호백(Lee Hobeak)은 그림책 작가이자, 도서출판 재미마주의 대표이다. 서울대학교 미술대학 응용미술학과(1985)와 고려대학교 신문방송학과 대학원(1987)을 졸업했다. 그가 쓴 〈세상에서 제일 힘센 수탉〉은 90년대 말에 나와 지금까지 사랑을 받고 있는 그림책이다. 그가 쓰고 그린 〈도대체 그동안 무슨 일이 일어났을까?〉는 전 세계 10여 개국어로 번역되었으며, 뉴욕타임스 우수도서, 스웨덴 어린이 도서협의회가 수여하는 피터팬상을 수상한 바 있다. 그의 그림이 들어간 미국에서 발간된 〈비빔밥 Bee Bim Bop〉(린다 수 박 글: 뉴 베리상 수상 작가)은 ‘티처스 픽스’ 인기 도서로 지금도 미국의 그림책 스테디 셀러이기도 하다. 이번 ‘토끼展’은 그의 첫 개인전이기도 하다. 주요 전시 2009 볼로냐 아동도서박람회 초청 ‘한국 원화전’(단체) 2015 ‘12시 ☆분: 주문을 걸어 봐’, 현대어린이책미술관(단체) 2017 ‘이야기가 있는 그림, 일러스트레이션’, 뮤지엄 산(단체) 2023 ‘그림책, 어제와 오늘의 예술’. 프랑스 메모 출판사 특별전 기획(순천그림책도서관) 이호백 초대전 토끼 展 2024. 4. 30 TUE ~ 5. 18 SAT 갤러리 PAL (1관, 2관) 서울 특별시 강남구 논현로 164번길 21 (압구정역 3번출구) 바른미술학원 1층 관람시간 : 오전11시 ~ 오후 6시 (일/월/공휴일 휴관, 예약관람 가능) 아티스트 토크 “예술이 된 그림책과 그림책이 된 예술” 2024.5.3(금) 11-12:30 / 5.8(수) 11-12:30 신청문의 : 010 2217 3210 작품 보러 가기

2024년 4월 30일부터 5월 5일까지 수원시 장안구 송정로에 위치한 수원시립만석전시관에서 <제10회 사람과사람들 展>이 열린다. 커뮤니티의 발전과 문화적 성장은 지역 예술가와 시민들 간의 상호 작용에서부터 비롯된다. 예술가들은 창의적인 역할을 통해 지역 사회에 새로운 아이디어와 영감을 제공하며, 이는 다양한 영역에서 지역 시민들의 삶에 긍정적인 영향을 미치고 있다. 올해로 10회째를 맞이하는 <사람과 사람들> 정기 회원전은 회화, 도예, 사진 등 여러 장르에서 모인 42명의 예술가들의 작품 50여 점이 선보인다. 2016년에 결성된 '사람과사람들' 예술인 단체(수원시 비영리단체)는 예술가와 지역 시민들간 문화적인 다양성을 공유하고 있다. 이러한 상호 작용은 지역 커뮤니티에 다양한 측면에서 긍정적인 영향을 미치고 있으며, 문화적인 다양성과 창의성을 증진시키고, 지역 사회의 유대감을 강화시키고 있다. 사람과 사람들 김승호 회장은 전시 서문에서 " 작품을 창작하는 사람, 감상하는 사람 모두가 주인공인 전시회를 추구하는 ‘사람과 사람들전’은 현대 미술(유화, 수채화, 사진 등)과 전통 미술(수묵화, 문인화, 도예 등)의 다양한 작품을 지역 주민들과 공유하고 싶다"라고 말하면서 " 이번 전시를 통해 인간 본연의 아름다움을 멋진 작품으로 재구성하는 우리의 노력이 앞으로도 쉼 없이 계속되기를 응원하며, 봄날의 따스한 햇살이 온 세상을 채우듯 소소한 행복들이 우리의 마음을 가득 채우기를 바란다"라고 말을 덧붙였다. 제10회 사람과 사람들전 2024. 4. 30 TUE - 5. 5 SUN 수원시립만석전시관 제 1전시실 경기도 수원시 장안구 송정로 19 관람시간 : 10:00AM - 18:00PM 참여 작가 강순금 경효순 고차숙 김숙연 김승호 김영수 김용선 김윤희 김전숙 김정희 노연욱 박양예 박은미 송경숙 신동신 심현희 안효진 오창원 왕미숙 우정선 유계희 유선형 유영상 이미례 이선희 이수민 이영래 이정우 이진애 임이화 전주연 조성준 조진식 주종수 지회숙 진 희 최은희 한수정 홍성남 홍순례 홍형표 황미순 작품 보러 가기

고영진 작가의 작품 속 ‘길’을 따라가다 보면 향나무 숲의 향기와 비포장도로의 흙 내음이 뒤섞여 있다. 올드카를 타고 달리며 만난 시골 풍경은 작가의 시선을 통해 재구성되었다. 황금 들판과 숲에 비친 햇빛이나 어두운 밤 집 안에서 새어 나오는 불빛은 신비함을 연출한다. 빙글빙글 타고 올라가거나 아래위로 굴곡진 길들은 쉽게 직진하기에 어려워 보인다. 인생은 마치 힘겨운 롤러코스터 같고, 흙먼지가 풀풀 날리는 비포장도로 같다. 하지만 그 길은 ‘나의 성으로’, ‘집으로’ ‘어머니의 밭’으로 향한다. 2023년 개인전에서 선보였던 고영진 작가의 작품은 시골 풍경을 그대로 담은 듯 보였지만, 자세히 들여다보면 초현실주의 요소들이 곳곳에 자리를 잡고 있었다. 아궁이 속에 숨은 꽃, 동백나무에 열린 수박 등 관람자의 감성을 일깨우는 작가만의 상상의 세계였다. 1년이 지난 이번 개인전에서도 지난 작업의 연속선상으로 신비로운 시골 풍경은 더 확장되었다. 작품 속 올드카는 세월이 흘러도 힘차게 달리고 있다. 실제로 작가는 각 그랜저와 티코라는 올드카를 소장하고 있다. 세심하게 관리한 자동차처럼 작가는 자신의 창작을 향한 순수한 열정을 소중히 간직해 왔다. 두 대의 올드카는 여전히 신나게 도로 위를 달리며 자기만의 성과, 집으로 달려가고 있다. 집이나 자동차와 같이 일상에서 매일 마주하며 살아가는 공간은 거주자와 가장 깊은 애착 관계를 형성하기 마련이다. 몸을 가꾸고 관리하듯 현대인들은 집과 차를 사랑한다. 그러면서도 끊임없이 집을 떠나 새로운 곳을 탐험하기를 마다하지 않는다. 위험할 수도 있고 내가 바라던 것을 경험하지 못할 수도 있지만 떠나는 것에 두려움이 없는 이유는 바로 다시 돌아올 곳, 고향과도 같은 내 집이 있기 때문이다. 고영진 작가는 이번 개인전을 통해 총 18점의 신작을 선보인다. 100호에서 1호까지 다양한 크기의 작품들을 만나볼 수 있다. <고영진 초대전> 길 展 2024. 4. 17 WED ~ 4. 29 MON 레드부츠 갤러리 경기 의왕시 계원대학로 40, 3층 031.426.4123 관람 시간 11:00-17:00 매주 일, 월요일 휴무 작가와의 만남 5월 4일 토요일 오후 4시 작가 작품 보러가기

아트센터 화이트블럭(대표 이수문)에서 4월 12일부터 범진용 작가의 개인전 ≪걷는 식물≫을 개최한다. 화이트블럭은 2009년부터 파주 헤이리 예술마을에서 ‘스튜디오 화이트블럭’이라는 이름으로 국내 시각예술가에게 작업실을 지원해 왔다. 그렇게 약 9년간 16명의 작가에게 공간을 제공한 후 2018년부터는 새로이 ‘화이트블럭 천안창작촌’라는 명칭으로 천안 광덕면에 이전 개관하였다. 천안창작촌은 16개의 작업실을 갖추고 2년 동안 작업할 수 있는 장소를 제공하면서 현재까지 63 명의 작가를 후원하고 있다. 아트센터 화이트블럭의 작가 지원은 여기서 끝나지 않고 입주작가의 후속 활동으로까지 이어진다. 미술관에서 2019년부터 시행한 입주작가 개인전 지원은 가장 적극적으로 작가의 활동을 지원하는 프로그램이다. 한지석(2019), 김건일(2020), 제이미 리(2021), 임승천(2023)에 이어 올해는 6기 입주작가로 활동했던 범진용을 초대하여 전시를 개최한다. 범진용(b.1977)은 세상을 면밀하게 관찰하여 그리는 작가이다. 버려진 풍경과 이름 모를 잡초의 생명력을 담아내던 그는 최근 주변인이 등장하는 기억에 초점을 맞춰 세계를 확장하고 있다. 작품에서는 쉽게 휘발되거나 얽히는 기억의 속성을 반영하듯 다소 가벼운 표면과 추상적인 형상으로의 변화를 보여준다. 전시명 ≪걷는 식물≫은 삶의 흐름에 따라 이주하는 작가 자신이 마치 걸어 다니는 식물과도 같다 하여 붙인 제목이다. 이번 전시에서 공개되는 그림들은 이주의 과정에서 마주했던 다양한 풍경과 사람에 대한 기억을 담고 있다. 전시는 ‘인물’ 시리즈와 ‘풍경’ 시리즈로 구성되어 대형 신작을 포함한 회화 40여 점을 한자리에서 만나볼 수 있다. 범진용의 ‘인물’ 시리즈는 소중한 이에 대한 부재와 애도의 기억을 바탕으로 시작되었으며 주로 주변인들을 대상으로 삼는다. 작가의 심경은 시리즈의 초기작이기도 한 <까마귀 꽃밭>(2020)의 짙고 어두운 색채와 거친 붓질에도 투영된다. 이어지는 그림에서는 홀로 선 인물들이 모호한 얼굴을 한 채 걷고, 춤추며 다시는 돌아오지 않을 시간에 대한 그리움을 내비치고 있다. 최근 작품에서는 실험적인 시도를 함께 엿볼 수 있다. 6명의 인물이 식사하는 장면을 담은 <인물>(2023)은 각기 다른 날과 장소에서의 기억을 결합하여 그린 것으로 지인들과 함께한 시간과 공간을 다층적으로 교차하고자 한 것이다. 대형 캔버스 천에 그린 <취한 밤>(2023) 역시 어느 밤의 기억 위에 무의식적으로 떠오르는 이미지들을 쌓아 올린 결과물이라고 할 수 있다. 이러한 작업 과정은 초현실주의자들이 자주 사용했던 무의식적인 표현 기법인 자동기술법(automatisme)에 가까운 느낌을 준다. 아마 작업 중 의도적으로 주변인에게 사진을 받는 과정을 통해 자신의 것이 아닌 기억을 혼합하고 되새기던 것이 영향을 준 것으로 보인다. 그리고 기억과 기억을 혼합하려는 시도는 ‘풍경’ 시리즈에도 다시 고스란히 반영되어 이전보다 훨씬 환상적인 화면이 완성될 수 있게 해주었다. 우리는 모두 과거의 기억을 품고 이따금 그 특별한 순간으로 돌아갈 수 있기를 소망한다. 이번에 공개되는 그림들 속에는 작가가 그날 그 순간의 기억에 대해 지난 4년간 고민해 온 흔적이 담겨있다. 얽히고설킨 기억을 한 화면에 담아내는 범진용의 그림 속에서 각자의 경로를 발견할 수 있기를 기대한다. 경기도와 파주시가 지원하는 ‘2024년 박물관 · 미술관 지원사업’에 선정된 이번 전시는 휴관일 없이 7월 14일까지 이어진다. 오프닝 행사는 4월 19일(금) 오후 4시에 열리며, 전시 기간에도 어린이부터 성인까지 전연령을 대상으로 한 다채로운 연계 프로그램이 진행될 예정이다. 자세한 사항은 화이트블럭 공식 홈페이지(www.whiteblock.org)에서 확인할 수 있다. 작품보러가기

경기문화재단 경기도미술관(관장 전승보)은 4월 12일부터 7월 14일까지 세월호참사 10주기 추념전 《우리가, 바다》를 개최한다. 전시는 세월호참사 10주기를 맞아 희생자를 추모하고 기억하는 동시에 예술을 통해 재난에 대한 사회적 상생의 방향을 모색하기 위해 마련되었다. 안산에 위치한 경기도미술관은 참사 당시 합동분향소가 있던 화랑유원지에 위치해 있으며 단원고등학교를 마주하고 있다. 미술관은 안산의 지역공동체로서 예술을 통해 공동체의 의미를 질문하고 시민들과 함께 10주기를 추념하며 재난의 상흔에 공감과 위로를 건네고자 한다. 《우리가, 바다》는 세월호참사 이후 슬픔과 고통을 내포한 ‘바다’가 그 이전과 같은 바다가 될 수는 없지만, 생명과 순환을 상징하는 ‘바다’의 의미를 소환하여 사회적 재난을 비춰보고자 했다. 전시의 제목인 “우리가, 바다”는 3가지 ‘바다’로 구성되어 있다. 첫째는 재난을 있는 그대로 받아들이고 기억해야 함을 의미하는 ‘바로 보는 바다’이다. 둘째는 재난을 겪는 사회에서 주변을 바라보면서 전해야 할 위로를 담은 ‘바라보는 바다’이다. 셋째는 재난에 대해 모두가 고민하고 함께 이루어야 할 바람을 담은 ‘바라는 바다’이다. 3가지 뜻의 ‘바다’는 다음과 같다. “우리가, 바(로보)다”, “우리가, 바(라보)다”, “우리가, 바(라)다” 전시에는 회화‧조각‧영상‧설치‧사운드‧사진‧퍼포먼스 등 현대미술의 다양한 매체를 아우르는 17인(팀)의 작가가 참여하였고, 특히 1940년대생부터 1990년대생까지 세대를 넘어 공통의 주제에 대한 다각적인 예술가의 사유를 전한다. 작가들의 사유는 매체도 세대도 주제도 다르지만 결국 예술을 통해 공통의 아픔을 기억하고 위로하면서 한 걸음 나아가고자 하는 이야기로 수렴된다. ’우리가, 바로보다‘는 세월호참사를 모티브로 제작한 작품 또는 개인의 경험에 비롯되었으나 그날의 기억을 떠올릴 수 있게 하는 작품을 선보인다. ’우리가, 바라보다‘는 희생자와 유가족 뿐 아니라 참사를 바라보며 사회구성원 모두가 겪었을 아픔에 대해 예술로서 위로를 전한다. 특히 안무가 송주원의 〈내 이름을 말해줘〉는 이번 전시를 위해 제작한 댄스필름으로 희생자 304명의 이름을 몸짓으로 하나하나 새기며 추모의 마음을 담았다. ’우리가, 바라다‘는 개인과 사회의 관계, 공동체의 의미, 생명의 가치, 실제 재난에 대비해야 하는 자세 등 우리 사회가 지켜야 할 것들에 대해 다루는 작품을 한데 모았다. 3,000명의 관객참여로 완성되는 안규철의 〈내 마음의 수평선〉, 일본 노토 지진을 다룬 리슨투더시티의 〈재난 이후〉, 세월호 선체와 팽목항의 흙으로 제작한 전원길의 〈잊을 수 없는 별들〉, 청년세대의 기록을 담은 황예지의 〈안개가 걷히면〉은 이번 전시를 위해 제작된 작품들이다. 세월호참사 10주기위원회 협력으로 진행되는 이번 전시는 ‘4.16공방’ 에서 세월호참사 유가족들이 손으로 한땀한땀 제작한 공예작품도 만날 수 있다. 경기도미술관 로비에서 4월 12일부터 7월 14일까지 《우리가, 바다》전이 진행되는 동안 함께 만날 수 있으며, 유리공예, 터프팅, 압화 등의 작품과 유가족들이 직접 제작한 영상 2점도 설치된다. 전시 관람료는 모두 무료이다. 전시가 진행되는 동안 다양한 연계 프로그램도 운영된다. 개막일인 4월 12일과 폐막일인 7월 14일에는 퍼포먼스 작가 오로민경이 작가 김선기와 함께 자연으로부터 찾은 소리를 통해 공동의 위로와 기억을 잇는 사운드 퍼포먼스 〈기억 위로 얻은 소리들〉을 선보인다. 4월에는 예술의 사회적 역할에 대해 고민하고 지속적으로 재난을 소재로 한 작업을 펼쳐온 작가 김지영이 〈작가와의 대화〉를 통해 자신의 작품세계를 공유하고 대화하는 자리를 가진다. 5월에는 일상의 순간을 포착하여 회화작업을 펼쳐온 이우성 작가와 함께하는 드로잉 워크숍이 진행되고, 6월에는 개인의 삶을 소재로 사진과 글쓰기 작업을 하는 황예지 작가가 청년세대를 대상으로 한 포토에세이 워크숍을 준비하고 있다. 7월에는 리슨투더시티가 실제 재난 상황을 대비한 장애-비장애인 통합 재난 대비 워크숍 〈누구도 남겨두지 않는다〉를 진행한다. 초‧중‧고등학생 단체 방문객의 전시 이해를 돕기 위한 단체 대상 전시 투어 프로그램도 5월부터 진행 예정이다. 프로그램에 대한 자세한 사항은 4월 중 경기도미술관 공식 누리집(https://gmoma.ggcf.kr)을 통해 확인 할 수 있다. 작품보러가기

오는 4월 17일부터 서울시 종로구에 위치한 구구갤러리에서 고봉밥 작가로 알려진 홍형표 초대전 < 미생예찬 米(美)生禮讚>이 열린다. 이번 전시회에서는 수 천 번을 깎아 만든 반입체의 고봉밥 연작 시리즈를 만날 수 있다. 밥그릇에 수북하게 쌓인 쌀알은 작가의 인생 여정처럼 따뜻한 단어로 채워져 있다. 고봉밥은 홍형표 작가의 과거와 현재 그리고 미래를 연결시켜주는 매개체인 것이다. 고봉밥 작품 이외에도 호박 연작시리즈 작품도 함께 감상할 수 있는데, '인간의 관계성'이라는 주제로 전통 문인화의 필선과 현대미술재료를 사용하여 그만의 독특한 작품을 표현했다. 홍형표 작가는 전주대학교 미술대학원을 졸업하고, 개인전 27회, 런던, 홍콩, 서울을 비롯한 아트페어에 참가했으며, 만해축전 님의 침묵대전 대통령상을 수상했다. 현재 수원대학교 미술대학원 조형예술학과 객원교수로 재직 중에 있다.

오는 4월 12일까지 경기도 안산시에 위치한 혜안 갤러리에서 해당 이미례 작가의 네번째 개인전 <다채로운>전이 열린다. 이미례 작가는 이번 전시에서 봄, 여름, 가을, 겨울 등 마음속에 담아온 자연의 다양한 풍경들과 감성으로 마음에 와 닿았던 글귀, 엉뚱한 상상에서 오는 작가의 감성을 모아 작품에 옮겼다. 대한민국서예문인화대전 은상, 윤보영캘리랜드공모전 은상, 대한민국소품문인화대전 우수상,특별상 등 다양한 공모전에서 입상한 그는 현재 해당디자인아트센터 대표, (사)한국캘리그라피디자인협회 전문위원, 안산시근로자종합복지관외 다수 기관에서 출강하고 있으며, 선묵회, 사람과사람들 회원으로 왕성한 활동을 하고 있다.

오는 4월 14일까지 인천광역시 송도에 위치한 컨벤시아갤러리에서 <Rain Bow>전이 열린다. 이번 전시에서는 컨벤시아갤러리와 Concept Challenge 송도문화단체의 콜라보 전시로 진행되며, The Fool, 류지수 작가와 CC멤버들의 작품이 전시된다. Concept Challenge는 송도에 기반을 둔 문화예술활동을 하는 개인, 기업들이 모여 송도에 문화가치를 만드는 단체이다. The Fool 작가는 작년에 서울 예술의 전당에서 개인전을 개최했고, 류지수 작가는 100회가 넘는 전시를 진행한 작가이기도 하다. 컨벤시아갤러리 승민영 대표는 이번 전시에서 " 서로 다른 색들이 모여 '무지개'라는 하나의 새로운 가치를 만들어지듯이 힘든 시기임에도 불구하고 서로 함께 화합하며 살아가는 마음을 전시로 전해주고 싶었다"라고 말했다.

"지극히 ‘화려하지만 사치스럽지 않은’, 작가의 인생을 담은 화병 이야기" 고차숙 작가의 작품 속 진달래 꽃은 일필휘지 (一筆揮之), 생명력을 불어넣은 그의 붓의 선은 전통 문인화의 매력을 한껏 느끼게 만든다. 또한 한지위에 먹의 농담에 의해 번지는 미학은 그의 작품의 완성도를 더욱 높여 준다. 특히, 제각각 다른 모습을 하고 있는 화병은 현대미술과 디자인을 접목한 새로운 시도로 해석되며, 전통과 현대가 만나 잘 어우어진 현재를 말해 주고 있는 듯 하다. 마치 백제의 왕궁의 모습처럼, 지극히 ‘화려하지만 사치스럽지 않은’ 화병의 모습과 더불어 활짝 핀 진달래 꽃은 관람자들의 묘한 감정을 이끌어 내고 있다. 작가는 오랫동안 문인화에 매진해 왔다. 전통 문인화를 기초로 다져진 덕분에 현대미술 재료에서는 볼 수 없는 묘한 매력이 더해 진다. 또한 삼베를 여러겹 쌓는 방식으로 화병의 입체감을 표현하고 있으며, 화병 표면에는 점, 선이 어울어진 현대적 디자인이 가미되어 신선함을 준다. 이러한 화병은 보는 시각에 따라 항아리로 보일 수 있으며, 아름다운 화병의 모습으로도 보일 수 있다. 이렇듯 작가는 화병에 마음의 꽃을 가득 담아 인생의 여정을 보여 주고 있는 것은 아닐까? - 오창원 (경기문화예술신문 발행인, 아트디렉터) 고차숙 초대전 心-담다 2024. 4. 1 MON ~ 4. 28 SUN 오리재 갤러리 서울 서대문구 간호대로 3길 36-3 관람시간 11:00-20:30 매주 월요일 휴무 작가 작품 보러가기

한국적 이미지를 모티브로 한 휴머니즘을 이야기 하다 정천(井泉) 지회숙(池會淑)의 예술세계는 콜링우드가 강조한 것처럼 표현적이면서도 내면의 울림을 담고 있다. 작가는 오래전부터 서예를 하면서 조형이 지니는 본질적인 면들을 감각적으로 습득하였다. 이후 예술의 다양한 표현에 관심을 가져왔으며, 한국적이면서도 휴머니즘적인 예술에 애정을 지녀왔다. 특히 작가는 다(茶)와 다향(茶香)에 관한 창작에 심혈을 기울여 왔는데 이는 작품의 중심 모티브로서 큰 역할을 해왔다. 다(茶)를 중심으로 한 다화(茶畵)는 고요함과 정(淨)함과 안정감을 가져올 수 있는 의미 있는 작업이라 할 수 있는데, 작가는 마치 수행하듯 이런 과정을 통해 감정을 나누고 심제좌망(心齊坐望) 속에서 표현되는 미묘한 다향의 조형성을 맛보며 체득(體得)할 수 있었다. 이 체득은 몸소 차밭을 다니며 차향을 음미하고 차를 덖으며 얻은 것인데, 차, 감각, 몸 그리고 마음이 하나가 되는 것이라 할 수 있다. 메를로퐁티(M. Merleau-Ponty)는 “대상을 지각하면서 갖는 우리의 의식은 엄밀히 말해 대상을 아는 것이 아니라 대상에 대한 우리의 의식을 아는 것이므로 사물의 진정한 의미는 우리 자신 속에서 발견할 수 있다.”라고 하였다. 우리는 각자 작가의 작품을 대하는 시공간이 다르며 심경과 환경이 다를 수 있다. <다향심(茶香心)>이라는 일련의 작품들은 각각 하나의 개체로서 우리에게 다가온다. 우리는 이 작품들과 조우하면서 또 다른 세계를 만날 수 있으며 생명력의 소중함을 발견할 수 있을 것이다. 작가의 작품은 전통이 드러나면서도 현대적 조형성과 색채들이 조화를 이루는 특징을 지닌다. 작가는 보이지 않는 다향을 향한 마음을 현시하기 위해 차꽃을 투영해 가면서 허정담아(虛靜淡雅)한 일상을 토대로 순간순간의 느낌(feel)을 중시하고, 스스로 이미지화되는 여러 현상들을 내면에 담고자 하였다. 이를 위해 마음의 정화에 힘쓰며, 새롭고도 자유로운 예술세계로 나아가고자 하였다. 따라서 그의 작품에는 휴머니즘, 자율성, 자연성 등이 내재하며, 은유와 상징이 함축되어 있다. 이러한 은유와 상징은 사색과 작가 본연의 내면적 성찰에서 비롯된 것으로 볼 수 있다. - 장준석 (미술평론가, 한국미술비평‧미학연구소 대표) 평론 중 일부 발췌 지회숙 작가는 1963년 포천 출생으로 아호는 정천(井泉) · 다천(茶泉)이다. 원광대학교 차(茶)문화 경영학과와 수원여자대학교 아동미술학과를 졸업한 뒤 수원대학교 미술대학원 조형예술학과에서 석사 학위를 취득했다. 최근 개인전으로는 2023년 '차(茶)꽃 향기전' (수원시립만석전시관)과 2019년 '다향심(茶香心)전'(카페나루)을 개최한 바 있다. 그의 작업의 주요 주제는 '다향 (茶香)'으로 차꽃의 향기에 녹여진 내면에 깊은 마음을 담아 삶의 여유와 자연의 편안한 쉼과 행복을 주고 싶은 마음을 표현했다. 차잔에서 피어난 차꽃 향기는 유유자적한 시간을 선사한다. 그의 그림을 통해 바라본 차꽃 향기는 차의 본질로서 사람의 마음을 환기시키는 진수처럼 정성과 예술의 결정체인 동시에 잠시 동안 세상의 모든 근심을 잊게 만들어준다. 그는 개인전 활동뿐 아니라 다양한 기획.단체전에도 참여하여 작품을 선보였다. 최근에는 2023년 수원시미술단체연합전(수원시립만석전시관), 2022년 경기문화예술신문 특별기획전 유랑동행전(경인미술관) 등 초대작가로 참여하기도 했다. 현재 대한민국미술대전 초대작가, 경기도미술대전 초대작가, 경인미술대전 초대작가, 한국미술협회, 수원미술협회, 수원문인화협회, 선묵회, 사람과사람들, 수원미술협회 문인화분과위원장으로 왕성한 활동을 하고 있다. 작가 작품 보러가기

관계맺음과 소통의 치유를 자발적 감정대리인의 시선으로 표현하는 작가 지니(양은진)의 전시가 2월13일부터 2월18일까지 ‘지니다: #해피플레이스(JINIDA: #HAPPY PLACE)’展으로 수원시립아트스페이스광교에서 열린다. 전시는 선명한 색채의 회화부터, 설치, 영상, 도자기, 판소리퍼포먼스, 인쇄물 등 메시지와 정보전달을 중점으로 보여주는 개념지향적 전시로 구성된다. 해시태그 기호로 SNS(Social Network Service)에 인증하고 업로드하는 사람들의 행복장소를 관찰하고 내면에 집중하고자 마련된 전시다. 여행은 그 자체로 행복감을 주며, 전반적인 삶의 만족을 향상시키는 행동이다. 실시간으로 지인 혹은 붙특정 다수와 소통할 수 있는 SNS 사진, 인스타그램 등을 인용, 차용한 작품은 특정 관심사를 해시태그(#)기호와 결합한 콘텐츠 주제로 전달한다. 여행과 행복을 해시태그 꼬리표로 풀어낸 작품은 다른 사람과 소통하거나 그 자체로부터 오는 즐거움, 자기과시, 나르시시즘 등 여행장소의 행복의미를 시각매체와 추상회화의 다양한 시도로 보여준다. 양작가는 “해시태그(#) 기호로 결합한 콘텐츠에 관심을 갖고 해시태그로 업로드하고 인증하는 사람들의 행복한 모습, 가족, 친구, 지역주민, 여행자와의 교류, 여행과 관련된 상징물 등 사진 이미지로 공유하는 사람들의 내면을 들여다 보고 싶었다”로 소개한다. ‘반응작품’으로 알려져 있으며, 직, 간접적으로 만난 대상에 대한 느낌을 ‘감정대리인’의 역할로 옮긴 작품은 예술행위의 퍼포먼스까지 예술의 장르를 넘나드는 커뮤니티 행위로 보여줄 예정이다. 홍경한 평론가는 “나(Ago)를 인용한 객체의 관점에서 현실세계를 이해”하며, “커뮤니티(community)를 위한 추상으로 이미지일 수도 있고 하나의 색일 수도. 조형을 벗어난 행위까지 포괄한다”로 평했다. 사계절 풍경을 바람, 새, 물 등 페인팅과 소리로 담은 퍼포먼스는 오는 18일(일)에 판소리퍼포먼스 형태로진행되며, 유아부터 성인까지 참여가능하다. 양작가는 “퍼포먼스로 즐기는 관람경험은 관람자들과 소통하려는 시도로 관찰자 역할에서 벗어나 적극적인 참여로 즐기며 소통하는 스퀴글방식의 주고받는 예술경험이다.”고 말했다. 한편, 전시는 여행과 행복 키워드인 ‘해시태그 장소’에 주목한다. 행복을 표현하는 마음에 집중하고 개인의 ‘행복동기’에 집중하며 모든 순간들이 행복하길 바란다는 의미를 내포한다. 자발적 감정 대리인 위치에서 작품을 제작하는 작가는 희로애락의 감정을 색과 형태, 이미지로 빗대어 보여준다. “예술이 용기와 위안을 줄 수 있다”는 개념을 ‘파랑새’시리즈인 행복탐구로 확장해 가며 관객 스스로의 내면성찰을 제안한다. 작품을 매개체로 소통함으로써 예술로 교감하고 개별적인 경험의 가치를 높이는 기회가 될 것으로 기대된다.

이솝우화의 ‘욕심 많은 개’ 이야기를 알고 있는가? 어느 날 개는 크고 탐스러운 뼈다귀를 얻어 입에 물고 가는 길에 물 위의 다리를 건너게 된다. 그 개는 다리 아래 물속의 개가 물고 있는 뼈다귀를 보게 되고, 자기도 모르게 그 개를 보고 짖으면서 입에 물고 있던 뼈다귀를 놓치게 된다. 이 전시는 이 이야기에서 시작한다. 개는 과연 물에 비친 자기 모습을 보고 욕심을 부려 뼈다귀를 놓치게 된 것인가? 아니면, 개의 본능이 뼈다귀를 놓치게 만든 것인가? 개의 모습을 해석하는 인간이 너무 자의적으로 바라본 것은 아닐까 하는 물음말이다. 과연 우리는 개의 행동을 정확하게 바라본 것이라 말할 수 있을까? 이에 대한 대답은 ‘예’ 그리고 ‘아니오’이다. 우리가 인지하고 있는 것이 전체를 대변할 수도 혹은 그러지 않을 수 있기 때문이다. 불교 ‘장아함경(長阿含經)’의 ‘맹인모상(盲人摸象)’ 이야기와 같이 ‘욕심 많은 개’의 이야기는, 우리가 생각하는 세계에 대한 인식이 매우 단편적이면서 국한되어있는 성질을 지닌다는 것을 알려준다. 코끼리를 만지는 맹인이나 개를 해석하는 우리의 모습에서, 인간의 인식이란 것이 어떤 상황에 대해 전체적이고 합리적인 판단을 내리기보다는 자신의 주관적인 추측을 전제로 한다는 것을 깨닫게 한다. 설사 그 결과가 잘못 인식된 판단들 안에서의 편차가 존재한다고 하더라도 말이다. 또한, 이 과정에서 맹인과 개의 이야기를 해석하는 우리는 극히 일부분의 내용만 경험하기 때문에, 맹인이 만진 일부가 코끼리의 전체인 줄 알고, 개의 욕심이 이야기의 전체인 줄 아는 모순을 가지게 한다. 이는 전체와 일부의 관계를 다 보지 못했기 때문이라 할 수 있다. 이 둘의 이야기에서 코끼리와 개의 이야기는 하나의 세계라고 할 수 있다. 내가 알고 있고, 경험해 보고, 인식할 수 있는 모든 것이 내가 가지고 있는 주관적 세계의 한계이고, 사람들은 그 세계 속에서 살아가며 자신의 이야기를 내뱉는다. 그리고 타인과의 관계 속에서 수많은 자신의 이야기를 하고, 다시 받아들이는 과정을 통해 주관적 세계의 한계를 점점 체화시켜 융화하는 것으로서, 각자의 주관적 세계를 확장한다. 이러한 방법론적 입장에서, 본 전시는 예술적 목적을 이야기한다. 하나의 사물, 현상, 물질, 개념을 여러 방향으로 해석하고, 이를 상호작용하게 하여 관람자에게 전달하려 하는 경험을 10명의 작가와 만들어낸다. 예술의 궁극적인 목적이 그저 예쁜 무엇인가를 남기는 것이 아니라 작품을 통해 여러 방향으로 나의 세계를 넓히고, 다른 세계와의 소통을 통해 새로운 우주를 창출해 내는 것이라면, 이 전시는 그런 의미에서 새로운 모험을 열어 세계의 한계를 이야기하는 접점이 될 것이다. 여러 이야기가 채워진 세계에서 개의 이야기도 맹인의 이야기도 새롭게 해석되는 과정, 이를 통해 온전한 모습의 개의 마음과 코끼리가 보이는 경험은 전시를 관람하는 관람객들에게 각자가 가진 세계를 생각하게 하는 의미가 되길 기대한다. - 김한별(독립큐레이터)

2024년 미국 LA의 대규모 아트 쇼인 LA 아트쇼(LA Art Show)가 오늘부터 19일까지 LA 컨벤션 센터에서 열린다. LA 아트쇼는 100개 이상의 글로벌 갤러리, 박물관 및 비영리 예술단체가 참여하며, 여배우 루시 헤일 사회로 밸런타인데이 오프닝 나이트 프리미어 파티로 시작된다. 행사의 티켓 수익금의 일부는 미국심장협회 ‘라이프 이즈 와이’ 캠페인에 기부될 예정이다. 카산드라 보이야기스 프듀서이자 감독의 지휘 아래 LA아트쇼는 한국을 포함, 필리핀, 이탈리아, 이스라엘, 페루 등 다양한 국가 출신 작가들의 작품을 통해 가장 포괄적인 현대 미술 경험을 선사한다. 이번 행사에서 하소영 작가의 'Green과 Red' 사이에서 공존하는 새로운 감정들을 화폭에 옮긴 작품을 선보인다. 하작가는 작가노트에서 " Green과 Red가 그것들을 대변이라도 하듯 작업에 드러나고 있다. Green은 나에게 자연이 주는 치유와 안식의 에너지를, Red는 치유 받은 에너지를 발산하는 색으로 역할을 하는 것 같다"라고 말하면서 인간은 ‘아니무스’와 그와는 반대적 개념인 ‘아니마’(anima)를 가지고 있다. 나의 작업은 여성성과 남성성의 접점에 있다"라고 말을 덧붙였다. 하소영 작가의 작품은 Gellery KARO Artcontinue Booth.311에서 감상할 수 있다. ▶LA 컨벤션 센터 웨스트홀 주소: 1201 S Figueroa St. LA

오는 7일부터 인천 송도에 위치한 컨벤시아 갤러리에서 2월 기획전 ‘Letting Go’ : 텅빈 채움展이 열린다. 이번 기획전에서는 블루 색을 시그니처 컬러로 사용하는 The Fool 작가와 류지수 작가의 2인전이다. The Fool 작가는 ‘프레임’이라는 주제로 작년 서울 예술의 전당에서 개인전을 개최한 바 있다. 그의 작품의 주된 주제는 '나를 둘러싸고 있는 프레임'이다. 그는 인공적인 직선이 아닌 생명을 담은 곡선을 붓을 사용하지 않고 물감을 직접 짜내어 입체적으로 그만의 방식으로 그림을 그린다. 류지수 작가는 1978년부터 그림을 그려왔고 오랜 시간동안 인물화 작가로 활동했다. 현재는 ‘비움’ 이라는 주제를 만나면서 추상화 작업을 하고 있다. 빈 네모의 형태를 이용하여 ‘비움’을 형상화한 작품들을 선보이고 있다. 특히 이번 전시회의 두명의 작가들의 공통점은 <무한한 반복의 작업>이기도 한데, 이러한 작가들의 행위는 '번뇌'와 '상념'을 걷어내는 수행이기도 하며, 내 안을 비우면서 '참 나'를 찾기 위한 그들의 여정을 그리고 있다. 또한 오는 2월 14일 오후 6시에는 전시 연계 프로그램으로 '작가와의 만남'이 진행된다.

추상도 구상도 아닌 새로운 형상 속에서 관람객들이 잠재된 이미지를 통해 바다를 다양하게 해석하기를 바라는 박정선 작가의 <알 수 없는 풍경>은 적나라한 자연 그대로를 진솔하게 표현하고 있다. 자유를 갈망하는 현대인의 내면을 잘 투영하고 있을 뿐만 아니라, 작가만의 시선으로 표현된 바다는 관람객들로 하여금 상상의 자유를 일깨우기에 충분한 독창적인 생명력을 표현하고 있으며, 작가만의 독특한 회화기법으로 풀어내고 있다. 작품 <나무>는 에나멜 도료를 이용해서 투명 시트지 위에 드리핑하며 다양한 색지를 만든다. 그리고 캔버스 위에 검은색 에나멜 도료로 드리핑하며 나무의 형상을 만들고, 그 위에 드리핑으로 만들어 놓았던 색지를 나뭇잎 모양으로 잘라 붙여가며 무의식에서 나온 새로운 형상의 나무를 콜라주 기법으로 표현한다. 이렇게 만들어진 나무의 형상은 드리핑 기법의 무의식적 행위이자 추상의 표현이며, 그러한 무의식의 영역에서 의식의 영역으로, 새로운 형상으로 표현된다. <알 수 없는 풍경>은 핸디코트를 이용하여 캠퍼스 위에 질감을 표현한다. 그 위에 수성도료 흰색, 검은색을 떨어뜨리고 다양한 도구를 이용하여 번짐, 섞임, 긁음, 반발이라는 우연적이며 실재적 효과를 표현한다. 그 결과로 만들어진 화면 위의 흔적에서 새로운 형상을 추적하고 발견되는 것을 드러내기 위하여 최소한의 그리는 작업을 실행한다. 화면에서 드러난 새로운 형상을 ‘알 수 없는 풍경’이라는 명제를 붙인다. 작가에게 있어 잠재된 무의식만큼 진실한 것은 자연이라 인정할 수밖에 없다. ‘알 수 없는 풍경’의 형상은 무의식을 통한 극단적인 추상으로서의 시도가 있을 때 나타났으며, 그러한 작업은 이후에도 계속되고 있다. 물론 여기서 말하는 자연이란 풍경 자체를 모사하는 일에 의미를 두었다는 말은 아니다. 그것은 새로운 이미지를 찾기 위한 과정의 일환이라고 보아야 할 것이다. 압구정역 근처에 위치한 갤러리PaL <박정선 초대전>은 1관, 2관에서 진행되며 작가의 작품 30여 점을 만날 수 있다. 일/월/공휴일은 휴관이지만, 예약관람도 가능하다.

황경희 작가의 자연에 대한 관심은 개인전 초기 때부터 확연히 나타난다. ‘대지의 춤’을 비롯해 자연의 신성과 재생력을 강조하는 작품들을 다수 볼 수 있다. 이번 전시에서는 ‘신은 곧 자연’ 이라는 화두를 만나게 될 것이다. 종교성이 짙어 호불호가 갈리게 될 수도 있지만 작가의 의도는 오로지 지금의 환경위기에서 더는 인간의 의지로 해결하기 힘든 상황이기에 신에게 의탁하는 마음으로 작품을 제작했고, 그 안엔 대중에게 경종을 울리고 환경개선 노력을 촉구하는 바램 또한 들어 있는 듯하다. 작품들 중에는 연작이 포함되어 있는데, 작가의 이야기를 연상하며 작품을 감상하는 것도 하나의 관람 팁이라고 할 수 있겠다. 그 중 ‘전체성’이란 명제를 가진 작품들이 있어 짧게 설명하자면 물리학자 데이비드 봄의 이론을 접하게 된 작가가 ‘모든 피조물들은 서로가 무관하지 않다’는 자신의 생각과 상통하는 점이 있어 전체성 작업을 하게 되었다고 한다. 그동안 선보였던 작품들의 총 결산전 이라고 해도 과언이 아닐 것 같은 이번 전시는 작가가 궁극적으로 추구하는 바가 무엇인지 확연히 알 수 있는 계기가 될 것 같다. 작가의 초심에는 풋내기 시절 읽었던 장일순 선생의 “나락 한 알 속의 우주”가 큰 공명을 일으켜 지금껏 작품 속에서 그 뜻을 전달하게 되는 것 같다고 말한다. 황경희 아홉 번째 개인전 “생명의 하느님은 우리와 함께” 2024. 01. 22 MON ~ 01. 29MON 한전아트센터 갤러리 제2관 서울 특별시 서초구 효령로 72길 60 관람시간 : 매일 10:00 ~ 18:00 토, 일요일 및 공휴일 10:00 ~ 17:00

<My universe#2 : 의미있는 시간> 전시가 갤러리 파라솔에서 2024년 신년 전시회로 개최된다. 이번 전시는 색연필로 작업하는 작가들의 전시로 다양한 주제와 스타일로 작업하는 여러 색연필 화가들의 예술적 세계를 엿볼 수 있다. 강경숙, 공보경, 이청수, 이희민, 정혜선 5인이 펼치는 이번 전시에서는 색연필의 다채로운 색채를 이용하여 감정의 흐름을 표현하고, 형상화되지 않은 아이디어를 새롭게 해석하고 있다. 오랜 작업의 시간을 거쳐 다양한 색연필과 종이들을 테스트해 완성한 이번 전시를 통해 관객에게 감정적인 공감과 고요함을 전하면서 동시에 창의적인 자유를 부여하고 있다. 이런 새로운 시도나 연구들을 통해 수없이 일어나는 크고 작은 성공과 실패들은 이 작가들에게 너무도 의미있는 시간들이며 그 시간을 통과해 완성되어지는 작품들은 작가들만의 우주를 만들어 나가고 있다. 한편 'My universe#2 : 의미있는 시간' 전은 작년 3월부터 4월간 '광주 온암갤러리'와 '부산 갤러리153'에서 진행됐던 'My universe#1'에 이은 2024년 새해 첫 전시이다. 이번 전시를 통해 색연필 화가들의 아름다운 예술적 성취를 감상하고, 그들의 작품을 통해 새로운 시각과 감정을 경험할 수 있는 특별한 전시로 기억되길 바란다. 전시는 1월 2일부터 31일동안 경기도 의왕시에 위치한 갤러리 파라솔에서 열린다. 작가 작품 및 작가 약력 바로 가기 (클릭)

이선미 작가의 작은 안경알 하나에는 무한한 세계가 담겨져 있다. 사람의 삶도 그러하듯, 작은 순간들이 모여 큰 이야기를 이루기 마련이다. 그의 작업은 우리가 매일쓰였던 안경이 작품의 소재이다. 안경알을 손으로 직접 엮고, 조각 조각 이어붙인 그의 작품은 이내 아름다운 도자기로 재탄생된다. 안경 렌즈는 특정 개인의 필요에 의해 제작⦁가공된다. 다른 사람과 공유할 수 없는, 그 사람에게만 꼭 맞춰진 안경 렌즈는 바로 ‘그 사람’을 투영한다. 각자의 굴절과 두께, 색을 지닌 렌즈, 그리고 그 위에 덧입혀진 흠집과 먼지는 그 사람의 시간과 이야기를 품는다. 이선미는 각자의 시간과 이야기를 덧씌운 렌즈를 광내고 다듬는다. 그리고 그 렌즈들을 손으로 엮고 빚으며 렌즈들(사람들) 간의 관계맺음을 작품으로 시각화한다. 작가가 관계를 형성하는 이 일련의 과정에는 궁극적으로 사람에 대한 그의 애정이 묻어있다. 이번 전시 <오늘을 빚다> 역시 사람을 대하는 이선미의 따뜻한 시선과 희망을 담는다. 그는 존재 자체로 가치를 인정받는 국보 도자기의 형상을 차용해 오랜 시간 사람들이 함께 구축해 온 문화와 양식의 가치를 보여준다. 동시에 그 형상을 구성하는 렌즈에 빛이 투과하면서 충돌, 산란하는 영상적 움직임은 다양성을 지닌 개개의 존재가 얽혀 있는 사회의 양상과 닮아 있다. 빛의 방향과 색이 치밀하게 설계된 지형도가 그려내는 빛의 유영은 단순한 시각적 표현을 넘어 복잡다단한 우리의 관계망이 서로의 차이와 이질성을 통합하는 이상적인 형태를 이루기 바라는 작가의 마음을 담아낸다. 그의 작업에서 바라본 우리의 여정도 안경알처럼 다양한 순간들로 가득 차 있다. 어떤 순간은 작고 조용하지만, 어떤 순간은 크고 눈부시며 우리를 변화시킨다. 때로는 그 안에서 웃음과 눈물, 기쁨과 슬픔이 공존하고 있다. 안경알 하나하나가 마치 나의 소설처럼 풀어지듯, 우리의 삶도 작은 순간들의 연속이자 큰 이야기로 가득차 있다. 우리는 그 안에서 우리 각자의 삶이 빛나고 있지 않을까. 이번 전시를 통해 나의 이야기를 발견하고, 나만의 아름다움을 찾아가길 바란다. 이선미 작가는 서울 산업대학교 금속공예과를 졸업하고 국민대학교 일반대학원 금속공예과를 졸업했다. 최근에는 세계가 주목하는 전시인 청주 국제 공예 공모전에서 금상을 수상한 바 있다. 이번 전시는 22일까지 계속된다. 작품 및 작가노트 바로가기 (클릭)

이솔, 최나리, 하지원 작가의 3인 전시 < ‘Here and Beyond’ (여기, 그리고 그 너머)展>이 서울 성수동에 위치한 복합문화공간 아트스페이스 폴라포에서 개최된다. 이번 전시에서는 각기 다른 주제와 기법으로 활동하고 있는 3인 작가들의 공통점인 '사람 냄새가 물씬 풍기는 사람들의 이야기를 다룬 작품들을 선보인다. 작가의 철학과 마주한 시선들은 '현실 그 너머의 공간'에 대한 이야기들이다. 3인의 작가는 각기 다른 그들의 개인적인 공간에서 바라보는 이야기들을 하고 있다. 최나리 작가는 ‘마토’와 ‘마요’라는 캐릭터로 인간의 욕망을 표현하는 ‘유토피아’ 시리즈를, 이솔 작가는 생활 속에서 오는 영감의 ‘그 순간’을 작업하는 ‘The Ocean’ 시리즈를, 하지원 작가는 디지털화된 세상에 그 벽 너머, 현실의 세상에서의 따뜻함을 말하고자 하는 ‘Relationship’ 시리즈를 선보인다. 스킨스쿠버를 하던 어느 날 암흑 같은 바닷속에서 죽음의 두려움이 차올랐고, 그 두려움 속에서 헤맬 때 시선을 위로 전환하니 빛이 내려오는 수면이 보였다. 그 순간 두려운 감정이 모호해지면서 이 공간이 아름답게 느껴졌다. 작가의 이 경험은 『죽음과 삶의 경계를 결정짓는 것은 무엇인가?』라는 질문을 던졌고, 이는 이 솔 작가의 ‘The Ocean’ 시리즈의 시작이다. 『우리에게는 죽음의 두려움을 느낄 수 있는 공간이 바다 생물들에게는 오히려 삶의 공간인데 온전히 위험하다거나 안전한 공간이라는 것이 있는 것인가?』라는 경계의 모호함에 대해 질문을 던지는 작품이다. 작가는 작업을 할 때 상하를 반전하는 작업을 통해 위와 같은 이분법적인 시각의 전환을 보여주고 있다. 우리가 생각하는 그 경계가 절대적인 진리가 아닐 수도 있다는 시각과, 그 기준은 무엇이며, 누가 정하는 것인가에 대해서 계속해서 질문하는 작업을 하고 있다. ‘유토피아’ 라는 공간은 최나리 작가의 페르소나인 마토와 마요가 함께 살아가는 공간이다. 이 공간은 우리가 삶을 살아가면서 경험하게 되는 여러 가지 선택과 배제, 욕망과 욕구들을 마주한 순간을 보여준다. ‘유토피아’ 시리즈는 최나리 작가의 ‘꿈’의 공간이다. 최나리 작가가 만든 ‘유토피아’ 안에서 둥근 마토와 각진 마요가 각자의 모습으로 공존하며 살아가는 모습을 담고 있다. 그 안에는 다양한 모양의 도형들이 서로 어우러져 있다. 각자의 모습과 욕망이 버무려져 있는 공간을 선과 밝은 색감으로 표현했다. 마지막으로 긋는 검은 선은 그 안에 모든 것들은 연결해 주는 역할을 한다. 꿈속에 있는 듯한 느낌의 이 공간은 작가가 바라는 이상향의 공간을 이미지화한 작품이다. 미디어에 노출된 지금 세대에서 관계는 너무나 쉽게 연결되기도 하고 단절되기도 한다. 얼굴을 모르는 사람끼리 말하는 것이 쉽고, 실제 얼굴을 본다면 못 할 말도 온라인에서는 너무 쉽게 할 수 있다. 하지원 작가는 이런 익명성을 얼굴이 없는 사람의 몸으로 작품에서 표현하고 있다. 하지만 그것을 직시하는 것에 끝나는 것이 아닌 더 나아가 디지털 세계에서도 현실에서의 관계처럼 건강한 관계(연결되는 관계)를 만들어가고 구성해 나가야 한다고 이야기하고 있다. 작가의 그러한 시선은 끈끈하게 결속되어 있는 사람들의 모습으로 표현했다. 이것은 디지털 세계에서도 지금보다 더 나은 인간관계를 향해 나아가고자 하는 의지로 보인다. 처음 공개되는 3인의 전시는 서로 다른 질감의 작업이 하나가 되는 '연결과 화합'을 느낄 수 있다. 이렇듯 3인의 전시를 통해 '여기, 지금' 우리는 각기 다른 공간에서 다양한 꿈과 희망을 안고 살아가고 있다. 각자의 삶은 고유한 이야기를 갖고 있고, 각기 다른 유토피아적인 세계관을 간직하고 살아간다. 그 꿈꾸는 상상이 '현실'이 되는 순간, 비로소 우리는 새로운 이상적인 세계를 현실로 만들어가는 주인공이 된다. 이번 전시는 12월 18일부터 내년 1월 14일까지 열리며, 전시기간 중에는 '작가와의 만남'을 통해 관람객들과 함께 소통할 수 있는 장이 마련된다. '작가와의 만남'은 추후 공개되는 아트 스페이스 폴라포 홈페이지를 통해 확인 할 수 있다. 다비드 자맹 ‘New Journey’ 전시를 기획했던 승민영 디렉터는 전시 서문에서 " 꿈을 이루기 위해서는 때로는 작은 부품들을 하나씩 조립해 나가야 합니다. 포기하지 않는다는 것은 꿈의 조각들을 한데 모아 나가는 것과 같습니다. 작은 성취들이 큰 꿈을 향한 여정에서 우리에게 힘을 주며, 꾸준한 노력이 우리의 꿈을 현실로 만들어 줄 것입니다. 단순한 상상의 나래일 뿐이지만, 결코 우리가 꿈꾸는 유토피아는 꿈이 아닌 '현실'로 만들어 갈 수 있습니다." 라고 말했다. 이번 전시는 오는 12월18일부터 2024년 1월 14일 까지 계속된다. 작가 작품 더 보기 (클릭)